Хит Союз
Программа по разным музыкальным Стилям!
Хит Союз
Сообщений 1 страница 15 из 15
Поделиться1Пн, 24 Фев 2014 02:01:46
Поделиться2Пн, 24 Фев 2014 02:03:02
Латиноамериканская музыка
Латиноамерика́нская му́зыка (исп. música latinoamericana) — обобщённое название музыкальных стилей и жанров стран Латинской Америки, а также музыка выходцев из этих стран, компактно проживающих на территории других государств и образующих большие латиноамериканские сообщества (например, в США). Является сплавом многих музыкальных культур, однако её основу составляют три компонента: испанская (либо португальская), африканская и индейская музыкальные культуры. Как правило, латиноамериканские песни исполняются на испанском или португальском языках, реже — на французском. В разговорной речи часто используется сокращённое название «латинская музыка»
Существует множество различных стилей латиноамериканской музыки…
Bachata (Бачата) Ритм народного танца Доминиканской республики. Часто опознается по характерной гитарной линии и простым аккордам в темпе 4/четверти.
Латина (латиноамериканские танцы) - стиль темпераментных людей, кто выплескивает свои эмоции. Латиноамериканские танцы, потрясающие по своей красоте , представляют собой смесь различных течений и школ и состоят из движений латиноамериканских танцев, таких как румба, самба, мамба, ча-ча-ча, меренге, джайв, пасадобль, сальса. Почувствовав дух латиноамериканского стиля, его свободу и экспрессию, Вы будете выглядеть стильно, открыто выражать свои эмоции и получать огромный заряд бодрости и хорошего настроения. На латиноамериканских вечеринках не принято различать танцы. Люди просто погружаются в атмосферу чувственных латинских ритмов и получают неописуемое удовольствие. Латина: сальса, ча-ча-ча, меренга, пасадобль, джайв, румба, самба.
Этот сольный синтезированный стиль, основанный на движениях популярнейших танцев Латинской Америки, прекрасно подходит как для танцевания на вечеринках latino, так и для исполнения под нелатиноамериканскую клубную музыку. Эстетика клубной латины не ограничивается задорными движениями в ритм, которые позволяют Вам демонстрировать на дансинге «драйвовые» черты темперамента; клубная латина – это еще и соразмерность чувственной мелодии: утонченная лиричность, драматизм, приоткрывающий в танце то сокровенное и неотразимое, чем по праву может гордиться Ваша душа. Будь то техники танца меренге, акцентирующие движения бедер, элегантная «фигуристая» салса,стремительный танец джайв, страстный танец пасадобль, бразильская самба или «танец кокеток» ча-ча-ча – любая часть курса «латиноамериканские танцы», с блеском исполненная Вами на танцполе, подарит Вам и Вашим зрителям наилучшие впечатления.Многие из танцев, которые сегодняшний день популярны во всем мире, родом из латинской Америки, например, румба, сальса, мамбо, ламбада, каримбо. Сегодня, из всего многообразия зажигательных латиноамериканских танцев выбраны пять, которые исполняются на международных чемпионатах по бальным танцам – это самба, румба, пасадобль, ча-ча-ча и джайв. Как и все танцы, исполняемые на чемпионатах и конкурсах, танцы латиноамериканской группы исполняются в паре (мужчина и женщина). Постановка корпуса изменяется в зависимости от того движения, которое они исполняют. Фигуры в этих танцах стандартизированы и категоризированы в зависимости от уровня подготовки. Все движения, ритм и темп музыки в латиноамериканских танцах, входящих в программу выступления, согласован комитетом. Однако, так было не всегда. Латиноамериканские танцы были введены в западноевропейское общество в двадцатом веке. До этого времени латиноамериканские танцы не признавались светским обществом, они всегда ассоциировались с низшими сословиями. Такие романские языки как итальянский, французский, испанский, португальский и румынский произошли от латинского. Вследствие этого, они определяют ту культуру, которая на сегодняшний день широко распространена на большей части территории Америки. Три танца из разных стран – Испании, Франции и США входят в стандартную программу по исполнению латинских танцев. Необходимо отметить, что термин «латиноамериканские танцы» произошел от сокращения слов «латынь» и американский, а не от названия географической территории «Латинская Америка». Три различных танца из Латинской Америки развивались под влиянием местных, европейских и африканских форм. Во время завоевания различных территорий западной Африки, завоевателями вывозились в Америку чернокожие рабы, так как непосредственно в Америке было практически невозможно заставить местное население так тяжело работать за такое низкое вознаграждение. Чернокожие рабы завозились в таком количестве, что уже в 1553 году их численность была выше численности европейцев. Именно это обстоятельство заставило правителей колоний временно приостановить ввоз новых рабов. Танец играл существенную роль во всех трех культурах - европейской, африканской и местной. По прошествии некоторого времени Веласко издал декрет, которым разрешал танцевать только по воскресеньям и в праздничные дни, а будние дни – только после 6 вечера. В течение 17 и 18 веков, постепенное слияние культур привело к появлению новой - креольской. Так как европейские танцы были заведены в Латинскую Америку, их называли "creolized" (креольскими). В течение последующего времени танец развился, и название его было сокращено до Danzon (Данзон). Чуть позже музыка стала более синкопированной с четким ритмом. Мы призываем Вас ничего не бояться, а учиться танцевать. И не забудьте, как говорят сами латиноамериканцы: «Эчале сальсита!» - «Добавить огоньку!».
Поделиться3Пн, 24 Фев 2014 02:22:24
Блюз
Блюз (англ. blues от blue devils) — музыкальная форма и музыкальный жанр, зародившиеся в конце XIX века в афроамериканском сообществе Юго-востока США, в среде выходцев с плантаций «Хлопкового пояса». Является (наряду с рэгтаймом, ранним джазом, рэпом и др.) одним из наиболее влиятельных вкладов афроамериканцев в мировую музыкальную культуру, сложившимся из таких её проявлений, как «рабочая песня», холер (ритмичные вскрики, сопровождавшие работу в поле), выкрики в ритуалах африканских религиозных культов (англ. (ring) shout), спиричуэлс (христианские песнопения в особой манере), шант и баллады (короткие стихотворные истории). Блюз во многом повлиял на современную популярную музыку, в особенности таких жанров как «поп», «джаз», «рок-н-ролл» «соул»
Собственно, когда появился этот удивительный стиль - блюз? Примерное время рождения – рубеж XIX-XX вв. Место рождения – Дельта (отсюда стиль дельта блюз), дельта реки Миссисипи (от Мемфиса до Мексиканского залива). На этих обширнейших территориях, среди почти нищих чернокожих людей родилось драгоценнейшее народное достояние Америки, этот популярный и сегодня стиль блюз. Название «Дельта» скорее не географическое, и историко-культурное понятие. Это место, где после расчистки от лесов, осушения болот тотально стали выращивать хлопок. На этих бескрайних пойменных полях копошились сотни тысяч сначала рабов, а потом полурабов. Жизнь их была убога, тяжела и унизительна. Музыка, песни этих людей, их развлечения были в сущности выражением этого быта отчаяния. Таким образом, стиль блюз, дельта блюз и история блюза имеют очень мало чего романтического.
История блюза и его география
История блюза очень интересна, загадочна, длинна и наполнена интересными легендами. К местам, в которых в результате сложных процессов взаимопроникновения родился стиль блюз (дельта блюз), относятся также и Алабама, штаты Джорджия, Флорида.
Из Дельты этот дельта блюз распространился по всем штатам Америки и в разных штатах он имел свои особенности. Важнейшими его центрами стали город Чикаго, штат Техас, Калифорния и до сих пор остаётся Дельта. Вот из этих точек продолжает ежегодно приходить в блюз всё новые и новые звёзды.
Стиль блюз в своё время имел еще один мировой центр - Англию. Но с тех пор времени утекло много, и эта страна потеряла интерес к этому искусству. История блюза сыграла с Англией злую шутку: эта страна потеряла значение мирового центра блюза. Всё, что там звучит сегодня, это не оригинальный английский стиль блюз, который был там во времена Джона Мэйла, в 60-е годы, а скорее бледная тень американского блюза. Конечно, это и не исключает того, что на туманном Альбионе существуют яркие таланты. Их десятки, и все они по-своему интересны, по-своему интересен и исполняемый ими блюз.
Музыкальный стиль блюз - вещь простая. И это действительно так. Однако, стоит полистать любой журнал, посвященный блюзу или поговорить с "продвинутым" коллекционером и оказывается, что подстилей, видов, подвидов блюза множество. Иногда возникает даже подозрение, что музыкальные журналисты, искусствоведы соревнуются в том, кто, сколько больше тонкостей найдет и кто назовет больше стилей. Плюс разные родственники блюза – госпел и спиричуэл. Нет, он совсем не прост этот загадочный стиль блюз. И потом, если все так элементарно, зачем люди с консерваторским образованием, с ослепительными карьерами, с оглушительными именами в шоу-бизнесе вдруг с энтузиазмом и с наслаждением предавались этому стихийному, интуитивному, загадочному, притягательному искусству, именуемому блюз? Нет, пожалуй, этот стиль блюз не так прост. И это тоже верно. История блюза – тому подтверждение.
История блюза: источники и инструменты
У блюза было несколько источников и несколько составных частей. Один из них - африканский, что и понятно, ведь предки нынешних блюзменов были родом из западной Африки. Там были обнаружены в недавнем времени музыкальные инструменты, прообразы банджо - первого почти блюзового инструмента. Да и особенности вокальной техники африканцев наводят на мысль о глубинных африканских корнях, которые имеет история блюза и в частности дельта блюз.
Но банджо не стало главным действующим лицом в истории блюза. Его звук очень интересный, необычный, но резкий и непродолжительный. А вот в музыке блюз важно, чтобы инструмент был не только аккомпанирующим, но и как бы продолжал человеческий голос.
Фортепиано - вот это инструмент действительно для блюзовой души. История блюза неразрывно связана с этим инструментом. Минусом его в свое время была невозможность перемещаться вместе с музыкантами, которые были что называется "перекати-поле" и двигались туда, где им платили, что было вполне естественно.
История блюза тесно связана с общемировой историей. Капитализм, промышленное производство раскинули свои щупальцы, протянули свои загребущие руки в начале XX в. повсюду: где производство, там и масса работающих. Масса поработала - масса хочет отдохнуть. Стало быть, возникла целая система развлечений и развлекательных учреждений. Сотнями и тысячами стали размножаться по всей Америке так называемые bordel houses (нечто среднее между пивной и борделем), в которых звучал дельта блюз. Радиоаппаратуры тогда, в начале века, с усилителями, динамиками, громкостью еще не было. Зато пианино в таких местечках всегда было. В основном на этих разбитых, расстроенных фортепиано играли блюз громко и быстро. Это называлось "буги-вуги". Но тогда же, в первой четверти XX в., появились и первые медленные блюзы, именуемые блюз-баллады.
Поделиться4Пн, 24 Фев 2014 22:18:21
КАНТРИ
Ка́нтри (ка́нтри-музыка) (от англ. country music — сельская музыка) — обобщённое название формы музицирования, возникшей среди белого населения сельских районов юга и запада США
Кантри основано на песенных и танцевальных мелодиях, завезённых в Америку ранними переселенцами из Европы, и опирается на англо-кельтские народные музыкальные традиции. Эта музыка долгое время сохранялась в почти нетронутом виде среди жителей горных районов штатов Теннесси, Кентукки, Северная Каролина
По своему содержанию песни и баллады, исполняемые кантри-исполнителями, близки к обычной для сельского фольклора тематике. Дух искусства кантри определяется также подбором струнных инструментов, как гитара и мандолина. С самого начала, характерный колорит звучанию музыки придавала скрипка-фиддл — основной музыкальный инструмент американских фермеров на протяжении нескольких веков
Стиль кантри также обязан влияниям негритянской музыкальной культуры. Это яснее всего проявляется в ритмике и непринуждённо-импровизационной манере исполнения, а также в использовании таких инструментов, как банджо и губная гармоника
С октября 1925 года начала работу радиопрограмма «Старая Гранд-опера» (англ. Grand Ole Opry), которая по сей день транслирует концерты кантри-исполнителей в прямом эфире.
Кантри как музыкальная индустрия стала набирать обороты в конце 1940-х годов благодаря успеху Хэнка Уильямса (1923—1953), не только задавшего имидж исполнителя кантри на несколько поколений вперёд, но и обозначившего типичные темы жанра — трагическая любовь, одиночество и тяготы рабочей жизни. Стиль таких музыкантов, как Хэнк Уильямс, тогда называли хиллбилли.
В Техасе появился стиль вестерн-свинг, взявший принципы аранжировки из диксиленда — тут королём жанра был Боб Уиллс и его Texas Playboys.
После войны обозначился стиль блюграсс, в котором доминирующее положение играл его основатель Билл Монроу
Благодаря успеху альбома Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) Марти Роббинса обособился жанр кантри-н-вестерн, в котором доминировали сюжеты из жизни Дикого Запада.
В середине 1950-х годов кантри наравне с элементами из других жанров (госпела, ритм-н-блюза) дала рождение рок-н-роллу. Тут же обозначился пограничный жанр — рокабилли — именно с него начали творческий путь такие певцы, как Элвис Пресли, Карл Перкинс и Джонни Кэш, не случайно все они записывались в одной и той же мемфисской студии Sun Records
Несколько рок и поп-звёзд рискнули попробовать себя в качестве исполнителей кантри. В 2000 году Ричард Маркс записал пять песен в этом жанре. Группа Bon Jovi выпустила сингл «Who Says You Can’t Go Home» совместно с солисткой кантри-коллектива Sugarland. Также к кантри обратились такие рок-исполнители, как Дон Хенли и Poison. Успешно продаётся немецкая кантри-группа Texas Lightning. Джозеф Пул (Wednesday 13) основал кантри-проект под названием Bourbon Crow
Поделиться5Пн, 24 Фев 2014 22:25:04
ВОКАЛЬНАЯ МУЗЫКА
Вокальная музыка — это музыка, в которой голос главенствует, или равноправен с инструментами, с сопровождением или a cappella. Крупные жанры — музыкально-драматическое произведение, оратория, средние жанры — кантата, вокальный цикл, литургия, хоровой концерт, малые — вокальная миниатюра (песня, романс). Встречаются так же произведения, в которых человеческий голос использован в качестве оркестровой краски («Щелкунчик» Петра Ильича Чайковского), в ней участвует голос в сопровождении с мелодией
Жанры вокальной музыки:
Оперный,
Ораториальный,
Камерный,
Оперетта,
Джаз.
Кантата — произведение торжественного или лироэпического склада. Ей присущ небольшой размер и однородность содержания (выражается одна тема). Опера (c латинского — труд, изделие) вид синтетического искусства. Художественное произведение, содержание которого воплощают в сценических и музыкально-поэтических образах.
Опера соединяет в едином театральном действии: вокальную (соло) ансамбль (хор), инструментальную музыку (симфонический оркестр), драматургию, изобразительное искусство (декорации, костюм) хореографию (балет). В опере воплощаются все формы вокальной музыки : (ария, ариозо, песня, монолог, речитатив, дуэт, трио, квартет, большие финалы с хором).
Опера свое время подразделяется на жанры
Историко-героическая;
Историко-романтическая;
Героико-поэтическая;
Народно-сказочная;
Лирическая;
Драматическая;
Комедийная;
Сатирическая.
Оратория (c лат. говорю, молю.) — крупное музыкальное произведение для певцов (солистов) хора и симфонического оркестра. Писались обычно на драматический и библейский сюжеты. Камерный жанр- (лат. Камера, комната.) Очень обширный пласт вокальной музыки, возникший в эпоху возрождения и барокко. В это время пишутся: мадригалы, кантаты, мессы. Пение требует виртуозности и шикарности . Пишутся произведения для солистов, небольшого хора и малого состава оркестра. Барочный стиль (причудливый)- свойственна пышность, эффекты, стремление к совмещению реальности с иллюзией. В пении рядом с кантиленой изощренные каденции. Мадригал -(лат.песня на родном языке). (куплеты, припевы) — коротенькое стихотворение, хвалебное, льстивое, любовное, нежное, тонкое и острое. В 16 в становится вокальной поэмой (обычно 4 — 5 человек) В 17 в лирические стихотворения обращенные женщине. Кантата -произведение торжественного или лирико-эпического характера Отличается от оратории меньшим составом оркестра, менее развитым сюжетом. Содержание светское и духовно- церковное. Романсы — занимают очень большое место в камерном вокальном жанре. Романс-исп. (романсо, петь по-романски.) Стал интенсивно развиваться в 18 −19в появляются элегии, баллады, драматические монологи. Чуть позже появляются песни любовного, шуточного, сатирического и трагедийного содержания. Лучшими образцами классического романса являются композиторы: Шуман, Шуберт, Чайковский, Рахманинов, Римский-Корсаков, Даргомыжский. Оперетта (с итал. — Маленькая опера) Музыкально-сценическое произведение комедийного характера, сочетающее в своей драматургии: музыку, танец, разговорный, диалог. В спектакле задействованы солисты, хор, оркестр в небольшом количестве балет. Оперетта как самостоятельный жанр сложилась во Франции в середине 19 в. Создателями были драматург Ф. Эрвэ, и композитор Ж. Оффенбах. Известность оперетте принесли композиторы: Штраус, Легар, Кальман, Дунаевский, Лангербелли.
Поделиться6Пн, 24 Фев 2014 22:32:06
ГРАНЖ
Гранж (англ. Grunge, МФА: рус. Грязь, мерзкий тип; иногда упоминается как саунд Сиэтла) — поджанр альтернативного рока, возникший в середине 1980-х годов в американском штате Вашингтон, в частности, в окрестностях Сиэтла. Жанр характеризуется сильно искажённым звуком электрогитар, контрастной динамикой песен и текстами на тему апатии или тоски. Эстетика гранжа, по сравнению с другими жанрами рок-музыки, упрощена, а многие музыканты стиля отличались неопрятным внешним видом и отказом от театральности
Раннее гранж-движение объединялось вокруг сиэтлского инди-лейбла Sub Pop в поздних 1980-х годах. Гранж стал коммерчески успешным в первой половине 1990-х годов, главным образом в связи с выпуском альбомов Nevermind группы Nirvana, и Ten группы Pearl Jam. Успех этих групп привёл к росту популярности альтернативного рока и сделал гранж наиболее популярным видом хард-рока того времени[2]. Тем не менее, многие гранж-группы испытывали неудобство касательно популярности. Хотя большинство гранж-групп распались или угасли к концу 1990-х годов, их творчество продолжает оказывать влияние на современную рок-музыку
Звучание гранжа частично является результатом того, что Сиэтл изолирован от других музыкальных сцен. Как отметил Джонатан Понеман: «Сиэтл был идеальным примером нефундаментального города с активной музыкальной сценой, которая всецело была проигнорирована американскими СМИ, зацикленных на Лос-Анджелесе и Нью-Йорке». Марк Арм утверждал, что изолированность означала, что «в этом одном уголке на карте было очень много групп и все сдирали у друг друга идеи». Гранж эволюционировал из местной панк-рок сцены, а его вдохновителями являлись такие группы, как The Fartz, The U-Men, 10 Minute Warning, The Accüsed и Fastbacks. Кроме того, медленный, тяжёлый и «сладжевый» саунд Melvins оказал существенное влияние на звучание гранжа.
Вне тихоокеанского северо-запада, многие музыканты и музыкальные сцены также оказали влияние на гранж. Альтернативные рок-группы северо-востока США, включая Sonic Youth, Pixies и Dinosaur Jr., сильно повлияли на жанр. Sonic Youth, посредством их покровительства групп Сиэтла, «неумышленно вскормили» гранж-сцену и укрепили неистовые независимые позиции её музыкантов. Курт Кобейн, в интервью журналу Rolling Stone, отметил влияние Pixies на Nirvana: «Я соединился с этой группой настолько сильно, что должен был быть в самой группе. Или, по крайней мере, в кавер-группе Pixies. Мы переняли от них чувство динамики, чередование мягкого, тихого саунда с громким и жёстким».
Кроме влияния панка и альтернативного рока, на многие гранж-группы в равной степени оказал влияние хеви-метал ранних 1970-х. Клинтон Хэйлин, автор книги «Babylon's Burning: From Punk to Grunge», сослался на Black Sabbath в качестве «возможно, самой повсеместной пре-панк группы оказавшей влияние на северо-западную сцену». Black Sabbath сыграли роль в формировании звучания гранжа своими собственными записями и записями которые они вдохновили. Музыкальный критик Боб Гулла утверждает, что звучание Black Sabbath «прослеживается практически во всех наипопулярных гранж-группах, включая Nirvana, Soundgarden и Alice in Chains». Также очевидно влияние Led Zeppelin, в частности на работы Soundgarden, которых журнал Q назвал «невольниками рока 70-х, но пренебрегающими явным сексизмом и мачизмом жанра».
На формирование гранжа сильно повлиял альбом My War лос-анджелесской хардкор-панк-группы Black Flag, выпущенный в 1984 году, на котором группа смешала хеви-метал с их традиционным звучанием. Стив Тёрнер, гитарист Mudhoney, сказал: «Многие люди в стране возненавидели Black Flag за то, что они стали писать медленные песни… но здесь все считали, что это здорово… мы были поражены. Они были странными и круто звучали». Тёрнер объяснил влияние метала на гранж: «Хард-рок и метал никогда не были столь ненавистными для панков, как для других. Здесь была маленькая тусовка, не было группы, которую ты мог бы возненавидеть». Около 1984 года, группы в округе Сиэтла начали играть смесь метала и панка. Наиболее яркой группой в этом жанре была The U-Men.
Сырое, искажённое, насыщенное фидбэком звучание некоторых нойз-рок-групп так же повлияло на музыку Сиэтла. Среди них Killdozer из Висконсина, и прежде всего Flipper из Сан-Франциско, известная своим медленным, мрачным «нойз-панком». Звучание Butthole Surfers, представляющее собой смесь панка, хеви-метала и нойз-рока, оказало существенной влияние на жанр, в частности, на ранние работы Soundgarden. Кроме того, на Soundgarden и другие ранние гранж-группы оказали влияние такие британские постпанк-группы, как Gang of Four и Bauhaus.
После нескольких совместных концертов и совместного альбома Нила Янга и Pearl Jam, некоторые представители СМИ дали Янгу титул «Крёстного отца гранжа». Основаниями для этого стали работы Янга с его группой Crazy Horse и частое использование гитарного эффекта «дисторшн», в первую очередь на альбоме Rust Never Sleeps. Аналогичный по влиянию альбом, который однако редко упоминается — Neurotica, группы Red Kross. Джонатан Понеман: «Neurotica изменил мою и жизнь многих других людей музыкального сообщества Сиэтла»
Гранж, как и множество других музыкальных течений, породил свою молодёжную субкультуру.
Как правило, музыкальные предпочтения гранжеров не ограничиваются одним лишь гранжем. К ним можно отнести классический рок, панк и другие музыкальные направления. Как субкультура вытекла из хиппи, точнее, образовалась где-то на стыке хиппи и течений, им противопоставляемых. Стиль одежды и внешний вид — рваные джинсы или узкие джинсы, рубашки навыпуск (зачастую клетчатые или полосатые), джинсовые и кожаные куртки, кеды (Converse All Star) либо кроссовки, одежда секонд-хенд. Неряшливость, небрежность, шкодливость — визитная карточка гранжеров. Вся одежда должна была смотреться застиранной и выношенной. Особенно популярны куртки-пиджаки, которые позже облюбовали панки. Часто в украшениях присутствуют символы анархизма и/или пацифизма.
Это большой стиль, которому дала жизнь молодёжная субкультура, появившаяся в 90-е годы. Появление её связано прежде всего с психоэмоциональными изменениями молодого поколения во время переходного возраста, что служит причиной проявления некоей агрессии или протестов против социума. Гранж высмеивал любовь к роскоши, пафосность, буржуазность и воспевал культуру уличных подростков
Поделиться7Ср, 26 Фев 2014 23:54:52
ДЖАЗ
Джаз (англ. jazz) — форма музыкального искусства, возникшая в конце XIX — начале XX века в США в результате синтеза африканской и европейской культур и получившая впоследствии повсеместное распространение. Характерными чертами музыкального языка джаза изначально стали импровизация, изощрённый ритм, основанный на синкопированных фигурах и уникальный комплекс приёмов исполнения ритмической фактуры — свинг. Дальнейшее развитие джаза происходило за счёт освоения джазовыми музыкантами и композиторами новых ритмических и гармонических моделей.
История развития джаза.
Джаз возник как соединение нескольких музыкальных культур разных народов и национальных традиций. Первоначально он прибыл из африканских земель. Для любой африканской музыки характерен очень сложный ритм, музыка всегда сопровождается танцами, которые представляют собой быстрые притопывания и прихлопывания. На этой основе в конце XIX века сложился ещё один музыкальный жанр рэгтайм. Впоследствии ритмы рэгтайма в сочетании с элементами блюза дали начало новому музыкальному направлению — джазу.
Истоки джаза связаны с блюзом. Он возник в конце XIX века как слияние африканских ритмов и европейской гармонии, но истоки его следует искать с момента завоза рабов из Африки на территорию Нового Света. Привезённые рабы не были выходцами из одного рода и обычно даже не понимали друг друга. Необходимость консолидации привела к объединению множества культур и, как следствие — к созданию единой культуры (в том числе и музыкальной) афроамериканцев. Процессы смешивания африканской музыкальной культуры и европейской (которая тоже претерпела серьёзные изменения в Новом Свете) происходили, начиная с XVIII века, и в XIX веке привели к возникновению «протоджаза», а затем и джаза в общепринятом понимании
Новоорлеанский джаз
Термином новоорлеанский, или традиционный, джаз обычно определяют стиль музыкантов, исполнявших джаз в Новом Орлеане в период между 1900 и 1917 годами, а также новоорлеанскими музыкантами, которые играли в Чикаго и записывали пластинки начиная приблизительно с 1917-го и на протяжении 20-х годов. Этот период джазовой истории известен также, как «Эпоха джаза». И это понятие также используется для описания музыки, исполняемой в различные исторические периоды представителями новоорлеанского возрождения, стремившимися исполнять джаз в том же самом стиле, что и музыканты новоорлеанской школы.
Свинг
Свинг в переводе с английского "swing" означает качение. Термин имеет два значения. Во-первых, это выразительное средство в джазе. Характерный тип пульсации, основанной на постоянных отклонениях ритма от опорных долей. Благодаря этому создается впечатление большой внутренней энергии, находящейся в состоянии неустойчивого равновесия. Во-вторых, стиль оркестрового джаза, сложившийся на рубеже 1920—30-х годов в результате синтеза негритянских и европейских стилевых форм джазовой музыки.
Исполнители: Joe Pass, Frank Sinatra, Benny Goodman, Norah Jones, Michel Legrand, Oscar Peterson, Ike Quebec, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Mills Brothers, Stephane Grappelli.
Бибоп
Джазовый стиль, сложившийся в начале — середине 40-х годов XX века в Нью-Йорке и открывший собой эпоху модерн-джаза. Характеризуется быстрым темпом и сложными импровизациями, основанными на изменении гармонии, а не мелодии. Сверхбыстрый темп исполнения был введён Паркером и Гиллеспи, дабы не подпустить к их новым импровизациям непрофессионалов. Кроме всего прочего, отличительной чертой всех бибоперов стала эпатажная манера поведения и внешнего облика: изогнутая труба «Диззи» Гиллеспи, поведение Чарли Паркера и "Диззи" Гиллеспи, нелепые шляпы Телониуса Монка и т. д. Возникнув как реакция на повсеместное распространение свинга, бибоп продолжил развивать его принципы в использовании выразительных средств, но вместе с тем обнаружил ряд противоположных тенденций.
Название этого направления в джазе произошло от "ри-боп" - слово характеризующее манеру исполнения музыкантов данного стиля. В этой музыке на первый план выступает солист, его музыкальная вдохновленность и виртуозное владение инструментом. Бибоп требовал от слушателя привыкшего к танцевальной музыке свинг очень многого и зачастую вызывал непонимание у публики.
В отличие от свинга, большей частью представляющего собой музыку больших коммерческих танцевальных оркестров, бибоп — это экспериментальное творческое направление в джазе, связанное главным образом с практикой малых ансамблей (комбо) и антикоммерческое по своей направленности. Этап бибопа стал значительным смещением акцента в джазе от популярной танцевальной музыки к более высокохудожественной, интеллектуальной, но менее массовой «музыке для музыкантов». Боп-музыканты предпочитали сложные импровизации, основанные на обыгрывании гармонической составляющей пьесс вместо мелодий.
Основными застрельщиками рождения стали: саксофонист Чарли Паркер, трубач Диззи Гиллеспи, пианисты Бад Пауэлл и Телониус Монк, барабанщик Макс Роуч. Также послушайте Chick Corea, Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Charles Mingus, Modern Jazz Quartet.
Биг-бэнды
Классическая, сложившаяся форма биг-бэндов известна в джазе с начала 1920-х годов. Эта форма сохранила свою актуальность вплоть до конца 1940-х. Музыканты, поступившие в большинство биг-бэндов как правило чуть ли не в подростковом возрасте, играли вполне определённые партии, или заученные на репетициях, или по нотам. Тщательные оркестровки вместе с крупными секциями медных и деревянных духовых инструментов выводили богатые джазовые гармонии и создавали сенсационно громкое звучание, ставшее известным как «звуки биг-бэнда» («the big band sound»).
Биг-бэнд стал популярной музыкой своего времени, достигнув пика славы в середине 1930-х. Эта музыка стала источником повального увлечения свинговыми танцами. Руководители знаменитых джаз-оркестров Дюк Эллингтон, Бенни Гудмен, Каунт Бэйси, Арти Шоу, Чик Уэбб, Гленн Миллер, Томми Дорси, Джимми Лансфорд, Чарли Барнет сочинили или аранжировали и записали на пластинки подлинный хит-парад мелодий, которые звучали не только по радио, но и повсюду в танцевальных залах. Многие биг-бэнды демонстрировали своих импровизаторов-солистов, которые доводили зрителей до состояния, близкого к истерии во время хорошо раскрученных «сражений оркестров».
Хотя популярность биг-бэндов после Второй мировой войны значительно снизилась, оркестры во главе с Бэйси, Эллингтоном, Вуди Германом, Стэном Кентоном, Гарри Джеймсом и многими другими часто гастролировали и записывали пластинки в течение нескольких следующих десятилетий. Их музыка постепенно преображалась под влиянием новых течений. Такие группы, как ансамбли во главе с Бойдом Райберном, Сан Ра, Оливером Нельсоном, Чарльзом Мингусом, Тэдом Джонсом-Мэлом Льюисом исследовали новые понятия в гармонии, инструментовках и импровизационной свободе. Сегодня биг-бенды являются стандартом в джазовом образовании. Репертуарные оркестры типа джазового оркестра Линкольн-Центра, Джазового оркестра Карнеги-Холл, Смитсоновский оркестр шедевров джаза и Чикагского джазового ансамбля регулярно играют оригинальные аранжировки биг-бэндовских композиций.
В 2008 году на русском языке вышла каноническая книга Джорджа Саймона «Большие оркестры эпохи свинга», являющаяся по своей сути почти полной энциклопедией всех биг-бэндов золотого века с начала 20-х по 60-е годы XX века
Мейнстрим
После окончания господствующей моды больших оркестров в эпоху биг-бендов, когда музыку больших оркестров на сцене стали теснить маленькие джазовые ансамбли, свинговая музыка продолжала звучать. Многие знаменитые свинговые солисты после концертных выступлений в болл-румах, любили поиграть в своё удовольствие на спонтанно устраиваемых джемах в небольших клубах на 52-й улице в Нью-Йорке. Причем это были не только те, кто работал в качестве «сайдменов» в больших оркестрах, такие как Бэн Уэбстер, Коулмен Хоукинс, Лестер Янг, Рой Элдридж, Джонни Ходжес, Бак Клэйтон и другие. Сами руководители биг-бэндов — Дюк Эллингтон, Каунт Бэйси, Бенни Гудмен, Джек Тигарден, Гарри Джеймс, Джин Крупа, будучи изначально солистами, а не только дирижёрами, тоже искали возможности поиграть отдельно от своего большого коллектива, в малом составе. Не принимая новаторские приёмы наступающего бибопа, эти музыканты придерживались традиционной для свинга манеры, демонстрируя при этом неиссякаемую фантазию при исполнении импровизационных партий. Основные звезды свинга постоянно выступали и записывались в небольших составах, получивших название «комбо», в рамках которых было гораздо больше простора для импровизаций. Стиль этого направления клубного джаза конца 1930-х получил с началом подъёма бибопа название мейнстрим, или главное течение. Некоторых из самых прекрасных исполнителей этой эпохи можно было услышать в прекрасной форме на джемах 1950-х, когда аккордная импровизация уже получила преимущественное применение по сравнению с методом раскрашивания мелодии, характерная для эпохи свинга. Вновь возникнув как свободный стиль в конце 1970-х и 1980-х, мейнстрим впитал в себя элементы кул-джаза, бибопа и хард-бопа. Термин «современный мейнстрим» или постбибоп используется сегодня почти для любого стиля, который не имеет близкой связи с историческими стилями джазовой музыки.
Северо-восточный джаз. Страйд
Хотя история джаза и началась в Новом Орлеане с наступлением XX века, но эта музыка пережила настоящий взлёт в начале 1920-х, когда трубач Луи Армстронг оставил Новый Орлеан, чтобы создать новую революционную музыку в Чикаго. Начавшаяся вскоре после этого миграция новоорлеанских джазовых мастеров в Нью-Йорк ознаменовала тенденцию постоянного движения джазовых музыкантов с Юга на Север. Чикаго воспринял музыку Нового Орлеана и сделал её горячей, подняв её накал не только усилием знаменитых ансамблей Армстронга Горячая Пятёрка и Горячая Семёрка, но также и других, включая таких мастеров, как Эдди Кондон и Джимми МакПартланд, чья бригада из Austin High School помогла возрождению Новоорлеанской школы. К числу других знаменитых чикагцев, раздвинувших горизонты классического джазового стиля Нового Орлеана, можно отнести пианиста Арта Ходеса, барабанщика Барретта Димса и кларнетиста Бенни Гудмена. Армстронг и Гудман, перебравшиеся в конечном счёте в Нью-Йорк, создали там своеобразную критическую массу, которая помогла этому городу превратиться в настоящую джазовую столицу мира. И в то время как Чикаго оставался в первой четверти XX века в основном центром звуковой записи, Нью-Йорк наряду с этим превратился и в главную концертную площадку джаза, располагая такими легендарными клубами, как Минтон Плейхаус, Коттон Клаб, Савой и Вилидж Вэнджуард, а также такими аренами, как Карнеги Холл.
Стиль Канзас-сити
В эпоху Великой депрессии и сухого закона, джазовая сцена Канзас-Сити превратилась в своеобразную Мекку новомодных звуков конца 1920-х и 1930-х. Для стиля, процветавшего в Канзас-Сити характерны проникновенные пьесы с блюзовой окраской, исполнявшиеся как биг-бендами, так и маленькими свинговыми ансамблями, демонстрировавшими очень энергичные соло, исполнявшиеся для посетителей кабачков с подпольно продававшимся спиртным. Именно в этих кабачках и выкристаллизовался стиль великого Каунта Бэйси, начинавшего в Канзас-сити в оркестре Уолтера Пэйджа и впоследствии у Бенни Моутена. Оба этих оркестра были типичными представителями стиля Канзас-сити, основой которого стала своеобразная форма блюза, получившая название «городской блюз» и сформировавшаяся в игре вышеназванных оркестров. Джазовая сцена Канзас-сити отличалась также целой плеядой выдающихся мастеров вокального блюза, признанным «королём» среди которых был многолетний солист оркестра Каунта Бэйси, знаменитый блюзовый певец Джимми Рашинг. Знаменитый альтсаксофонист Чарли Паркер, родившийся в Канзас-Сити, по приезду в Нью-Йорк широко использовал характерные блюзовые приемы разученные им в оркестрах Канзас-сити и составившие впоследствии один из отправных моментов в экспериментах бопперов в 1940-е
Джаз Западного побережья
Исполнители, захваченные движением кул-джаза в 50-е годы много работали в студиях звукозаписи Лос-Анджелеса. В значительной степени под влиянием нонета Майлза Дэвиса эти, базировавшиеся в Лос-Анджелесе исполнители развивали то, что теперь известно как «West Coast Jazz», или джаз Западного побережья. Как студиях звукозаписи, такие клубы, как «Маяк» на Эрмоза бич и «Хэйг» в Лос-Анджелесе часто представляли его главных мастеров, в числе которых были трубач Шорти Роджерс, саксофонисты Арт Пеппер и Бад Шенк, барабанщик Шелли Мэнн и кларнетист Джимми Джюффри.
Кул ("прохладный" джаз)
Высокий накал и натиск бибопа начали ослабляться с развитием "клёвого" джаза. Начиная с конца 1940-х и в начале 1950-х годов музыканты начали развивать менее яростный, более гладкий подход к импровизации, смоделированный по образу светлой, сухой игры тенор-саксофониста Лестера Янга, которую он применял ещё в период свинга. Результатом стал отрешённый и однородно-плоский звук, опирающийся на эмоциональную «охлаждённость». Трубач Майлз Дэвис, бывший одним из первых исполнителей бибопа, который «охладил» его, стал самым большим новатором этого жанра. Его нонет, записавший альбом «Рождение кула» в 1949—1950 годах являлся воплощением лиризма и сдержанности кул-джаза. Другими известными музыкантами кул-джазовой школы являются трубач Чет Бейкер, пианисты Джордж Ширинг, Джон Льюис, Дейв Брубек и Ленни Тристано, вибрафонист Милт Джэксон и саксофонисты Стэн Гетц, Ли Кониц, Зут Симс и Пол Десмонд. Аранжировщики также внесли значительный вклад в движение кул-джаза, особенно Тэд Дамерон, Клод Торнхилл, Билл Эванс и баритон-саксофонист Джерри Маллигэн. Их составы сосредоточились на инструментальной окраске и замедленности движения, на застывшей гармонии, которая создавала иллюзию простора. Диссонанс также играл некоторую роль в их музыке, но отличаясь при этом смягчённым, приглушённым характером. Формат кул-джаза оставлял пространство для несколько больших по составу ансамблей типа нонетов и тентетов, которые в этот период стали более привычны, чем в период раннего бибопа. Некоторые аранжировщики экспериментировали с изменённой инструментовкой, включая конусообразные медные духовые, например валторну и тубу
Прогрессив-джаз\
Параллельно с возникновением бибопа, в среде джаза развивается новый жанр — прогрессивный джаз, или просто прогрессив. Основным отличием этого жанра становится стремление отойти от застывшего клише биг-бендов и устаревших, затёртых приёмов т. н. симфоджаза, введённых в 1920-е Полом Уайтменом. В отличие от бопперов, творцы прогрессива не стремились к радикальному отказу от джазовых традиций, сложившихся на то время. Они скорее стремились к обновлению и усовершенствованию свинговых фраз-моделей, вводя в практику композиции последние достижения европейского симфонизма в области тональности и гармонии.
Наибольший вклад в развитие концепций «прогрессива» внёс пианист и дирижёр Стэн Кентон. С его первых работ собственно и берёт начало прогрессивный джаз начала 1940-х. По звучанию музыка, исполнявшаяся его первым оркестром была близка к Рахманинову, а композиции несли черты позднего романтизма. Однако по жанру это было ближе всего к симфоджазу. Позднее, в годы создания знаменитой серии его альбомов «Artistry», элементы джаза уже перестали играть роль создания колорита, а уже органично вплетались в музыкальный материал. Наряду с Кентоном, заслуга в этом принадлежала и его лучшему аранжировщику, Питу Руголо, ученику Дариюса Мийо. Современное (по тем годам) симфоническое звучание, специфическая техника стаккато в игре саксофонов, смелые гармонии, частые секунды и блоки, наряду с политональностью и джазовой ритмической пульсацией-вот отличительные черты этой музыки, с которой Стэн Кентон на многие годы вошёл в историю джаза, как один из его новаторов, нашедших общую платформу для европейской симфонической культуры и элементов бибопа, особенно заметных в пьесах, где сольные инструменталисты как бы противостояли звукам остального оркестра. Следует отметить также и большое внимание, которое уделял Кентон в своих композициях импровизационным партиям солистов, в числе которых следует отметить всемирно известного барабанщика Шелли Мейна, контрабасиста Эда Сафранского, тромбониста Кэя Уиндинга, Джун Кристи, одну из лучших джазовых вокалисток тех лет. Верность выбранному жанру Стэн Кентон сохранил на протяжении всей своей карьеры.
Поделиться8Чт, 27 Фев 2014 00:05:21
Хард-боп
Хард-боп (англ. — твёрдый, жёсткий боп) — разновидность джаза, возникшая в 50-е гг. ХХ в. из бопа. Отличается экспрессивной, жестокой ритмикой, опорой на блюз. Относится к стилям современного джаза. Примерно в то же самое время, когда прохладный джаз пустил корни на Западном Побережье, джазовые музыканты из Детройта, Филадельфии и Нью-Йорка начали разрабатывать более твёрдые, тяжёлые вариации старой формулы бибопа, получившие название Хард-боп или Твёрдый бибоп. Близко напоминая традиционный бибоп в его агрессивности и технических требованиях, хард-боп 1950-х и 1960-х меньше основывался на стандартных песенных формах и стал уделять больше внимания элементам блюза и ритмическому драйву. Зажигательное солирование или мастерство импровизации вместе с сильным чувством гармонии являлись свойствами первостепенной важности для исполнителей на духовых инструментах, в секции ритма более заметным стало участие барабанов и фортепиано, а бас приобрёл более текучее, фанковое чувство.(взято из источника «Музыкальная литература» Коломиец Марией)
Ладовый (модальный) джаз
Начиная с конца 1950-х, трубач Майлз Дэвис и тенор-саксофонист Джон Колтрейн в области подхода к мелодии и импровизации развернули новаторские эксперименты с ладами, заимствованными непосредственно из классической музыки. Эти музыканты для формирования мелодий вместо аккордов стали использовать небольшое количество специфических ладов. Результатом стала гармонически статичная, построенная почти исключительно на мелодии форма джаза. Солисты иногда рисковали, отступая от заданной тональности, но это и создавало острое ощущение напряжённости и освобождения. Темпы применялись от медленного до быстрого, но в целом, музыка имела непостоянный, извилистый характер, её отличало чувство неторопливости. Для создания более экзотического эффекта, исполнители в качестве «модальной» основы для своей музыки иногда использовали неевропейские гаммы (например, индийские, арабские, африканские). Неопределённый тональный центр модального джаза стал неким стартовым фундаментом для фри-джазовых взлётов тех экспериментаторов, которые пришли на следующем этапе джазовой истории, включая тенор-саксофониста Фэроу Сандерса Классическими примерами модального джазового стиля являются пьесы из репертуара Майлза Дэвиса «Milestones» (игра слов: «Вехи» либо «Звуки Майлза»), «So What» («Ну и что») и «Flamenco Sketches» («Наброски в стиле фламенко»), а также «My Favorite Things»(«Мои любимые вещи») и «Impressions»(«Впечатления») Джона Колтрэйна.
Соул-джаз
Соул-джаз (англ. soul — душа) — соул-музыкой в широком смысле иногда называют всю негритянскую музыку, связанную с блюзовой традицией. Для него характерна опора на традиции блюза и афроамериканского фольклора.
Близкий родственник хард-бопа, соул джаз представлен малыми, базирующимися на органе мини-составами, которые возникли в середине 1950-х и продолжали выступать в 1970-е. Основанная на блюзе и госпелах музыка соул-джаза пульсирует афроамериканской духовностью.
Контрабасист Чарльз Мингус
Большинство великих органистов джаза пришло на сцену в эпоху соул-джаза: Джимми Макгрифф, Чарльз Эрланд, Ричард «Грув» Холмс, Лес Мак-Кейн, Дональд Паттерсон, Джек Макдафф и Джимми «Хаммонд» Смит. Все они вели в 1960-х свои группы, часто играя в небольших помещениях в составе трио. Тенорсаксофон в этих ансамблях также был заметной фигурой, добавляя свой голос в общую смесь, подобно голосу проповедника в госпелах. Такие светила, как Джин Эммонс, Эдди Харрис, Стенли Тёррентайн, Эдди «Столбняк» Дэвис, Хьюстон Персон, Хенк Кроуфорд и Дэвид «Болван» Ньюман, а также и члены ансамблей Рэя Чарльза конца 1950-х и 1960-х часто расцениваются как представители стиля соул-джаз. То же относится и к Чарльзу Мингусу. Как и хард-боп, соул-джаз отличался от джаза Западного Побережья: Эта музыка вызывала страсть и сильное чувство единения, а не одиночества и эмоциональной прохлады, свойственных уэст-коэст джазу. Стремительно закрученные мелодии соул джаза, благодаря частому использованию остинатных басовых фигур и повторяющихся ритмических семплов сделали эту музыку весьма доступной широкой публике. К числу хитов, рождённых соул джазом относятся, например композиции пианиста Рэмси Льюиса «Посвященные» («The In Crowd»-1965) и Харриса-МакКейна «По сравнению с чем» («Compared To What»-1969).
Не следует путать соул джаз с тем, что теперь известно, как «соул музыка». Несмотря на частичное влияние госпела, соул джаз вырос из бибопа, а корни соул-музыки восходят непосредственно к популярному с начала 1960-х ритм энд блюзу.
Джаз-фанк
Являясь ответвлением соул-джаза, стиль впитал в себя элементы фанк/соул/ритм-энд-блюза. Джаз-фанк рисует мелодии блюзовыми нотами и отличается исключительной ритмической сосредоточенностью. Иногда называемый также «грувом», фанк концентрируется на поддержании непрерывного характерного ритмического рисунка, сдабривая его лёгкими инструментальными и порой лирическими украшениями.
Произведения, исполняемые в стиле джаз-фанк полны радостных эмоций, приглашающих слушателей танцевать, как в замедленном, блюзовом варианте, так и в быстром темпе. Сольные импровизации сохраняют строгое подчинение биту и коллективному звучанию. Наиболее знаменитыми представителями этого стиля являются органисты Ричард «Грув» Холмс и Ширли Скотт, тенор-саксофонист Джин Эммонс и флейтист/альт-саксофонист Лео Райт.
Фри-джаз
Возможно самое спорное движение в истории джаза возникло с появлением свободного джаза, или «Новой Вещи», как оно впоследствии было названо. Хотя элементы свободного джаза существовали в пределах музыкальной структуры джаза задолго до появления самого термина, наиболее оригинально в «экспериментах» таких новаторов как Коулмен Хоукинс, Пи Ви Расселл и Ленни Тристано, но только к концу 1950-х усилиями таких пионеров, как саксофонист Орнетт Коулман и пианист Сесил Тэйлор, это направление оформилось как самостоятельный стиль.
То, что сотворили эти два музыканта вместе с другими, включая Джона Колтрейна, Альберта Эйлера и сообществ вроде «Сан Ра Аркестра» (Sun Ra Arkestra) и группы, называвшейся «Революционный Ансамбль» (The Revolutionary Ensemble), состояло в разнообразных изменениях в структуре и чувстве музыки. Среди новшеств, которые вводились с воображением и большой музыкальностью, был отказ от последовательности аккордов, что позволяло музыке двигаться в любом направлении. Другое фундаментальное изменение было найдено в области ритмики, где «свинг» был или пересмотрен, или игнорировался в целом. Другими словами, пульсация, метр и грув больше не являлись существенным элементом в этом прочтении джаза. Ещё один ключевой компонент был связан с атональностью. Теперь музыкальное изречение больше не строилось на обычной тональной системе. Пронзительные, лающие, конвульсивные ноты заполнили полностью этот новый звуковой мир.
Свободный джаз и сегодня продолжает существовать, как жизнеспособная форма выражения, и фактически уже не является столь спорным стилем, каким он принимался на заре своего возникновения.
Криэйтив
Появление направления «Криэйтив» ознаменовано проникновением в джаз элементов экспериментализма и авангарда. Начало этого процесса частично совпало с возникновением свободного джаза. Элементы джаз-авангарда, понимаемые, как вводимые в музыку изменения и новшества, всегда были «экспериментальными». Так что новые формы экспериментализма, предлагавшиеся джазом в 50-х ', 60-е и 70-е годы были наиболее радикальным отходом от традиций, введя в практику новые элементы ритмов, тональности и структуры. Фактически, авангардистская музыка стала синонимичной с открытыми формами, охарактеризовать которые было труднее, чем даже свободный джаз. Предварительно запланированная структура изречений смешивалась с более свободными сольными фразами, частично напоминая о свободном джазе. Композиционные элементы настолько сливались с импровизацией, что уже было трудно определить, где заканчивалось первое и начиналось второе. Фактически, музыкальная структура произведений разрабатывалась так, чтобы соло являлось продуктом аранжемента, логически подводя музыкальный процесс к тому, что обычно рассматривалось бы как форма абстракции или даже хаос. Свинговые ритмы и даже мелодии могли быть включены в музыкальную тему, но это было вовсе не обязательно. К ранним пионерам этого направления следует отнести пианиста Ленни Тристано, саксофониста Джимми Джоффри и композитора/аранжировщика/дирижёра Гюнтера Шуллера. К более поздним мастерам относятся пианисты Пол Блей и Эндрю Хилл, саксофонисты Энтони Бракстон и Сэм Риверс, барабанщики Санни Мюррей и Эндрю Сирилл, а также члены сообщества AACM (Ассоциации для Продвижения Творческих Музыкантов), типа Художественного Ансамбля Чикаго (Art Ensemble of Chicago)
Фьюжн
Начавшись не только от слияния джаза с поп-музыкой и роком 1960-х, но и с музыкой, проистекавшей из таких областей, как соул, фанк и ритм энд блюз, фьюжн (или дословно-сплав), как музыкальный жанр, появился в конце 1960-х, вначале под названием джаз-рок. Отдельные музыканты и группы, типа «Eleventh House» гитариста Ларри Кориэлла, «Lifetime» барабанщика Тони Уильямса, а также Майлз Дэвис следовали во главе этого течения, введя в обиход такие элементы, как электроника, рок-ритмы и расширенные треки, аннулируя большую часть того, на чём «стоял» джаз, начиная с его начала, а именно, свинговый бит, и основываясь прежде всего на блюзовой музыке, репертуар которой включал, как блюзовый материал, так и популярные стандарты. Термин фьюжн вошёл в обиход вскоре после того, как возникли разнообразные оркестры, типа Mahavishnu Orchestra («Оркестра Махавишну»), Weather Report («Прогноз погоды») и ансамбль Чика Кориа Return To Forever («Возвращение В Навсегда»). Повсюду в музыке этих ансамблей оставался постоянным акцент на импровизацию и мелодичность, что прочно связывало их практику с историей джаза, несмотря на хулителей, которые утверждали, что они «продались» коммерсантам от музыки. Фактически, когда слушаешь сегодня эти ранние эксперименты, они едва ли покажутся коммерческими, предлагая слушателю участвовать в том, что являлось музыкой с очень развитой диалоговой природой. В течение середины 1970-х, фьюжн преобразовался в вариант музыки для лёгкого прослушивания и/или ритм энд блюзовой музыки. Композиционно или с точки зрения перформанса он значительную долю своей остроты растерял, а то и вовсе утратил. В 1980-е, исполнявшие джаз музыканты превратили музыкальную форму фьюжн в подлинно выразительное средство. Такие художники как барабанщик Рональд Шаннон Джэксон (Ronald Shannon Jackson), гитаристы Пат Метэни (Pat Metheny), Джон Скофилд (John Scofield), Джон Аберкромби (John Abercrombie) и Джеймс «Блад» Элмер (James «Blood» Ulmer), так же как и старый саксофонист/трубач Орнетт Коулман (Ornette Coleman) творчески овладели этой музыкой в различных измерениях.
Постбоп
Период постбопа охватывает музыку, исполнявшуюся джазовыми музыкантами, которые продолжали творить на ниве бибопа, уклоняясь от экспериментов свободного джаза, развивавшегося в течение того же самого периода 1960-х. Также, как и вышеназванный хард-боп, эта форма основывалась на ритмах, ансамблевой структуре и энергии бибопа, на тех же комбинациях духовых и на том же музыкальном репертуаре, включая использование латинских элементов. То, что отличало музыку постбопа, заключалось в использовании элементов фанка, грува или соул, перекроенных в духе наступившего нового времени, ознаменованного господством поп-музыки. Зачастую данный подвид эскпериментирует с блюз роком. Такие мастера, как саксофонист Хэнк Мобли, пианист Хорас Силвер, барабанщик Арт Блэйки и трубач Ли Морган фактически начали эту музыку в середине 1950-х и предвосхитили то, что теперь стало преобладающей формой джаза. Наряду с более простыми мелодиями и более проникновенным битом слушатель мог услышать здесь и следы перемешанных между собой госпела и ритм энд блюза. Этот стиль, встречавшийся с некоторыми изменениями в течение 1960-х, в определённой степени использовался для создания новых структур как композиционный элемент. Саксофонист Джо Хендерсон, пианист Маккой Тайнер и даже такой видный боппер, как Диззи Гиллеспи, создавали в этом жанре музыку, которая была и человечной, и интересной гармонически. Одним из самых значительных композиторов, появившихся в этот период был саксофонист Уэйн Шортер. Шортер пройдя школу в ансамбле Арта Блэйки, сделал в течение 1960-х записи ряда сильных альбомов под своим собственным именем. Вместе с клавишником Херби Хэнкоком, Шортер помог Майлзу Дэвису создать в 1960-х квинтет (наиболее экспериментальной и очень влиятельной группой постбопа 1950-х был квинтет Дэвиса с участием Джона Колтрэйна) ставший одной из самых значительных групп в джазовой истории.
Эйсид-джаз
Термин «Эйсид-джаз» или «кислотный джаз» свободно используется применительно к весьма широкому диапазону музыки. Хотя эйсид-джаз не вполне правомочно относить к джазовым стилям, которые развивались от общего древа джазовых традиций, но его нельзя и совершенно игнорировать при разборе жанрового многообразия джазовой музыки. Возникнув в 1987 на британской танцевальной сцене, эйсид-джаз как музыкальный, преимущественно инструментальный стиль сформировался на базе фанка, с добавками избранных классических джазовых треков, хип-хопа, соул и латинского грува. Собственно этот стиль является одной из разновидностей джазового возрождения, вдохновлённого в этом случае не столько выступлениями живых ветеранов, сколько старыми записями джаза конца 1960-х и раннего джазового фанка начала 1970-х. Со временем, после завершения стадии формирования из этой музыкальной мозаики, совершено исчезла импровизация, что явилось основным предметом спора о том, является ли эйсид-джаз собственно джазом.
К числу известных представителей эйсид-джаза относятся такие музыканты, как Jamiroquai, Incognito, Brand New Heavies, Groove Collective, Guru, Джеймс Тэйлор. Некоторые специалисты считают, что трио Medeski, Martin & Wood, позиционирующиеся сегодня как представители современного авангардизма, начинали свою карьеру с эйсид-джаза.
На российской сцене этот жанр представлен многими музыкантами.
Смуc-джаз
Развившийся из стиля фьюжн, смус-джаз отказался от энергичных соло и динамических крещендо предшествующих стилей. Смус-джаз отличает прежде всего намеренно подчёркнутая отполированность звучания. Импровизация также в значительной степени исключена из музыкального арсенала жанра. Обогащённый звуками множества синтезаторов в соединении с ритмическими семплами глянцевый саунд создаёт гладкую и тщательно отполированную упаковку музыкального товара, в котором ансамблевое созвучие имеет большее значение, чем его составные части. Это качество также отделяет этот стиль от других более «живых» исполнений. Инструментарий смус-джаза включает электрические клавишные инструменты, альт- или сопрано-саксофон, гитару, бас гитару и ударные. Смус-джаз возможно является наиболее коммерчески жизнеспособной формой джазовой музыки со времён эпохи свинга. Это направление современного джаза представлено, пожалуй наиболее многочисленной армией музыкантов, включая таких знаменитостей, как Майкл Фрэнкс, Крис Ботти, Ди Ди Бриджуотер, Ларри Карлтон, Стенли Кларк, Боб Джеймс, Эл Джерро, Дайана Кролл, Брэдли Лайтон, Ли Райтнаур, Дэйв Грузин, Джефф Лорбер, Чак Лоеб и пр.
Латиноамериканский джаз
Соединение латинских ритмических элементов присутствовало в джазе почти с самого начала смешения культур, зародившегося в Новом Орлеане. Джелли Ролл Мортон говорил про «испанские оттенки» в своих записях середины и конца 1920-х. Дюк Эллингтон и другие руководители джазовых оркестров также использовали латинские формы. Главный (хотя не широко признанный) родоначальник латинского джаза, трубач/аранжировщик Марио Бауса принес кубинскую ориентацию из своей родной Гаваны в оркестр Чика Уэбба в 1930-х, десятилетием позднее он внёс это направление в звучание оркестров Дона Редмана , Флетчера Хендерсона и Кэба Келлоуэя . Работая с трубачом Диззи Гиллеспи в оркестре Келлоуэя с конца 1930-х, Бауса ввёл направление, от которого уже прослеживалась прямая связь с биг-бендами Гиллеспи середины 1940-х. Эта «любовная интрига» Гиллеспи с латинскими музыкальными формами продолжалась до конца его продолжительной карьеры. В 1940-е Бауса продолжил карьеру, став музыкальным руководителем Афро-кубинского оркестра Мачито, фронтменом которого был его шурин, перкуссионист Франк Грильо по прозвищу Мачито. 1950-1960-е годы прошли под знаком продолжительного флирта джаза с латинскими ритмами, преимущественно в направление боссановы, обогатив этот синтез бразильские элементами самбы . Соединив стиль кул-джаза, развитый музыкантами Западного Побережья, европейскую классическую соразмерность и соблазнительные бразильские ритмы, босса-нова или как более правильно «бразильский джаз», получила широкую известность в США приблизительно в 1962. Тонкие, но гипнотические ритмы акустической гитары акцентировали внимание на простых мелодиях, поющихся как на португальском, так и английском языке. Открытый бразильцами Жоао Жилберто и Антонио Карлосом Жобином, этот стиль в 1960-е годы стал танцевальной альтернативой хард-бопу и свободному джазу, значительно расширив свою популярность благодаря записям и выступлениям музыкантов с западного побережья, в частности гитариста Чарли Берда и саксофониста Стэна Гетца. Музыкальное смешение латинского влияния распространилось в джазе и в последующем, в 1980-х и 1990-х, включая не только оркестры и группы с первоклассными импровизаторами латиноамериканского происхождения, но также и комбинирующих местных и латинских исполнителей, создавая образцы наиболее захватывающей сценической музыки. Этот новый латинский джазовый Ренессанс подпитывался постоянным притоком иностранных исполнителей из числа кубинских невозвращенцев, таких как трубач Артуро Сандоваль, саксофонист и кларнетист Пакито Д’Ривера и др., бежавших от режима Фиделя Кастро в поисках более широких возможностей, которые они рассчитывали обрести в Нью-Йорке и Флориде. Существует также мнение, что более интенсивные, более приемлемые для танца качества полиритмичной музыки латинского джаза значительно расширили джазовую аудиторию. Правда сохранив при этом только минимум интуитивности, для интеллектуального восприятия.
Поделиться9Пт, 28 Фев 2014 21:26:13
Ра́гга-джангл
Ра́гга-джангл (англ. ragga jungle) — драм-н-бэйс с рагга-вокалом, направление музыки, возникшее в 1989—1990 годах.Некоторые считают, что существенного различия между терминами «драм-н-бейс» и «джангл» нет. Некоторые называют джанглом старые записи первой половины 90-х годов, а драм-н-бейсом считают существенно эволюционировавший джангл с новыми пост-текстепными элементами. Другие для краткости используют термин джангл для обозначения рагга-джангла — характерного поджанра джангл музыки. В США используют объединённый термин «Jungle Drum and Bass» (JDB), который не получил распространения за пределами этой страны. Возможно, самая популярная точка зрения заключается в том, что джангл — это драм-н-бэйс, а драм-н-бэйс — это джангл.Изначально в большей степени основывается на производстве Майкл Уэст (Rebel MC, Конго Натти Label), Faxit aka PA-Rhyme. Пионеры жанра также Лини Де Лед и Ragga Twins
Ragga-jungle появился в Лондоне, столице страны, которая до сих пор остаётся прародительницей новых музыкальных течений. Навеяна она «чёрной» музыкой Rap, Dub Reggae, Reggae, Raggae Dancehall, Garage и Soul. Jungle начал развиваться в 1991 году, когда такие rave-группы как The Prodigy, использовали breakbeat`ы из Hip-Hop записей прокрученных на Techno скорости (145—150 ударов в минуту). С этого времени, эта музыка стала известна как — Hardcore. Повторяющиеся Hardcore`овые breakbeat`ы и грохочущие бас-линии вытягивали всё больше и больше «чёрной» молодёжи на rave-сцену, которая в свою очередь принесла много элементов из Dub Reggae и Soul`а. Таким образом, Hardcore стал эволюционировать в Jungle. Вскоре Jungle приобрёл очень большую популярность не только в Великобритании, но и во всём мире.Ранний джангл был ответвлением рейва (точнее — хардкора — одного из «жёстких» направлений рейва), сосредоточенного на брейкбите. Как было упомянуто выше, в нём были соединены дабовый бас с быстрым хип-хоповым брейкбитом — это произошло в поздних 80-х, когда культура рейва и экстази достигла успеха в Великобритании. Когда развился более басовый, тяжёлый и быстрый саунд, джангл стал обнаруживать свои собственные отличительные черты. В результате последовательного совершенствования продюсерами-первопроходцами, звук стал более урбанистичным, всё еще включая в себя напевы из регги, дабовый бас, но также и всё более сложные, быстрые, стремительные ударные.
К 1995 году появилось встречное движение, названное «intelligent» (рус. интеллиджент), реализованное диджеем LTJ Bukem и его лейблом Good Looking. Некоторые считают, что переход к «разумному» джанглу был осознанным и согласованным ходом основных диджеев и продюсеров против культуры, которая наполнялась жестокими элементами «гангста». Интеллиджент сохранял стремительный брейкбит, но фокусировался на более атмосферном звуке и глубоком басе, в противоположность жёсткому вокалу и семплам.
Поделиться10Пт, 28 Фев 2014 21:33:15
Драм-н-бэйс
Изначально драм-н-бэйс возник как ответвление британской сцены брейкбита, джангла и рейва, когда музыканты стали смешивать бас из рагга с ускоренным брейкбитом из хип-хопа. Некоторые считают, что существенного различия между терминами «драм-н-бэйс» и «джангл» нет. Некоторые называют джанглом старые записи первой половины 90-х годов, а драм-н-бэйсом считают существенно эволюционировавший джангл с новыми пост-текстепными элементами. Другие для краткости используют термин джангл для обозначения рагга-джангла — характерного поджанра джангл-музыки. В США используют объединённый термин «Jungle Drum and Bass» (JDB)[источник не указан 436 дней], который не получил распространения за пределами этой страны
Ранний джангл был ответвлением рейва (точнее — хардкора — одного из «жёстких» направлений рейва), сосредоточенного на брейкбите. Как было упомянуто выше, в нём были соединены дабовый бас с быстрым хип-хоповым брейкбитом — это произошло в поздних 80-х, когда культура рейва и экстази достигла успеха в Великобритании. Когда развился более басовый, тяжёлый и быстрый саунд, джангл стал обнаруживать свои собственные отличительные черты. В результате последовательного совершенствования продюсерами-первопроходцами, звук стал более урбанистичным, всё ещё включая в себя напевы из регги, дабовый бас, но также и всё более сложные, быстрые, стремительные ударные. К 1995 году появилось встречное движение, названное «intelligent» (рус. интеллиджент), реализованное диджеем LTJ Bukem и его лейблом Good Looking. Некоторые[источник не указан 1561 день] считают, что переход к «разумному» джанглу был осознанным и согласованным ходом основных диджеев и продюсеров против культуры, которая наполнялась жестокими элементами «гангста». Интеллиджент сохранял стремительный брейкбит, но фокусировался на более атмосферном звуке и глубоком бассе, в противоположность жёсткому вокалу и семплам.Существует множество взглядов на то, что составляет «настоящий» драм-н-бэйс. Мнения расходятся из-за существования большого числа стилей, от «тяжёлого» тэк-степа до «мягкого» ликвид-фанка. Драм-н-бэйс сравнивают с джазом, где в рамках одного жанра можно услышать музыку, звучащую совершенно по-разному. Кроме того, сейчас драм-н-бэйс — это больше подход и традиция, нежели стиль
Брейкбит — это главный определяющий элемент драм-н-бэйса. С музыкальной точки зрения брейкбит характеризуется ломаным ритмом, элементом синкопы, в отличие от «прямого» 4-ударного ритма (так называемой «прямой бочки») в техно, трансе и хаусе.
Большинство брейкбитов напрямую берутся (семплируются) или составляются из ударных партий в старых записях жанров соул, фанк, блюз и джаз. Собственно «брейк» относится к той части песни, где нет вокала и есть акцент на ритм и бит. Хотя, с середины 90-х множество продюсеров используют тустеп или другие брейкбиты, скомпонованные из отдельных ударных семплов, которые похожи на семплированные, но обычно звучат жёстче. Также часто брейкбиты создаются с использованием обеих техник
Название «drum and bass» не означает, что треки состоят только лишь из этих элементов. Тем не менее, они являются самыми важными элементами и составляют большую часть треков. В жанре большое внимание отводится глубокому басу, который чувствуется физически при прослушивании. Было произведено немало экспериментов с тембром в зоне баса, особенно в тэк-степе.
Главным образом, драм-н-бэйс — это форма танцевальной музыки, предназначенная для прослушивания в ночных клубах а так же для экстремальных видов спорта. Жанр использует весь частотный диапазон и физичность, которую часто нельзя полностью оценить на домашнем оборудовании при прослушивании на малой громкости. В соответствии с названием, элемент баса сильно выделяется, в отличие от других жанров танцевальной музыки. Поэтому для полного восприятия музыки требуется специальное звуковое оборудование, которое, как правило, установлено именно в ночных клубах.
Из-за своей «клубной» природы драм-н-бэйс доносится до публики в первую очередь благодаря диджеям. Поскольку большинство треков пишутся для лёгкого сведения диджеем, их структура отражает предназначение: присутствуют вступительные и заключительные части (англ. intro, outro), использующиеся для битмэтчинга и не предназначенные для детального восприятия слушателями. Обычно диджей производит сведение таким образом, чтобы не потерять непрерывный бит. Кроме того, диджей может использовать типичные для хип-хопа приёмы: скрэтчи, двойные дропы (где два трека сводятся так, что делают дроп в один и тот же момент) и ривайнды.
Большинство точек сведения начинаются или заканчиваются там, где происходит дроп. Дроп — место, где происходит значительное изменение ритма или баса, а после происходит выход брейкбита. Часто дроп используют для перехода между треками, сводя компоненты различных треков. Некоторые дропы так популярны, что диджей перематывает пластинку и проигрывает дроп снова.
Выступление диджея часто сопровождается поддержкой одного или более эм си (англ. MC). Этот элемент исходит из корней жанра — музыки хип-хоп и регги
Поделиться11Пт, 28 Фев 2014 22:00:31
Метал
Ме́тал, или мета́лл (от англ. metal) — жанр рок-музыки, сформировавшийся из хард-рока в начале и середине 1970-х гг., преимущественно в Англии и Соединённых Штатах Америки.
Основные отличия жанров метала от других жанров рок-музыки — искажённые эффектом дисторшн электрогитары, затяжные гитарные соло, агрессивный ритм, как правило шести-, восьми- или двух- дольный размер такта, облегчённые риффы.
Метал имеет достаточно большое число стилей, от сравнительно «мягких» (таких, как, например, классический хеви-метал или такие поджанры, как пауэр-метал) до весьма «тяжёлых» и неприемлемых для большинства неподготовленных слушателей (дэт-метал, блэк-метал, грайндкор.). Музыка «металлических» жанров распространена практически во всех странах, но наиболее крупные сцены сформировались в северной Европе (Британия, Скандинавия, Германия) и северной Америке (США, Канада). Во всех странах Европы, включая Россию, существуют развитые региональные сцены, так же как и в Бразилии, Японии и многих других неевропейских странах. На Ближнем востоке, за исключением Израиля и Турции, тяжёлый рок менее развит из-за жёстких цензурных ограничений.
Поклонников метала называют металлистами или металхэдами (англ. metalhead).
Относительно происхождения названия «тяжёлый металл» — «heavy metal» — существует несколько версий и несколько источников. Это выражение возникло в среде хиппи и битников в начале 1970-х, но откуда пришло в их сленг — остается предметом дебатов.
Основные характеристики метала — «тяжёлые» риффы, исполняемые на электрогитарах со звуком, искаженным эффектом дисторшн, продолжительные гитарные соло, плотная ритм-секция бас-гитары и ударных, и резкий, энергичный вокал. Металу присущи упор на инструментальную часть композиции, виртуозное солирование, нестандартные гармонии. Различные поджанры по-разному отражают, изменяют эти атрибуты, или лишаются некоторых из них. Корни метала — в блюз-роке, но жанр ушёл от импровизационности и негритянской мелодики блюза к более жесткому и помпезному «европейскому» мелодизму, лишённому свинга. По мнению критика New York Times, в родословном древе популярной музыки метал — один из важнейших видов рока — это стиль с меньшим синкопированием, большим элементом шоу и культом силы
Типичный состав метал-группы включает в себя ударника, бас-гитариста, соло-гитариста, ритм-гитариста, и вокалиста, который, чаще всего, не играет на других инструментах. В некоторых группах также используются клавишные. Остальные инструменты для метала нетипичны, хотя существует множество примеров использования виолончели, волынки, скрипки, флейты, саксофона или народных инструментов. Как правило, такие инструменты в метале не играют основную роль и вводятся в инструментовку для создания определенной атмосферы.
Электрогитара и мощь звука, усиленного комбоусилителями, исторически остаётся центральным элементом метала. Гитаристы часто играют с использованием педалей дисторшна, чтобы создавать перегруженный, «тяжёлый» звук. С начала 80-х группы стали традиционно использовать двух гитаристов. В таких группах, как Iron Maiden и Judas Priest, два-три гитариста исполняют попеременно и соло, и ритм-партии. Однако бывают и исключения, например, немецкая пауэр-метал группа Van Canto вообще не использует гитары, целиком полагаясь на выдающиеся способности своих вокалистов.
Центральный элемент метал-композиции это гитарное соло. По мере развития жанра, всё более сложные и скоростные соло и риффы становились приметами стиля. Гитаристы используют тэппинг и другие приемы скоростной игры, и многие поджанры метала требуют виртуозной игры.
Центральная роль гитариста в метале разрушает традиционную в рок-музыке роль лидера-фронтмена, которую обычно брал на себя вокалист. Это создает некое подобие двойного лидерства или даже конкуренции. Метал требует подчинения вокала общему звучанию группы. Виды вокала в метале разнообразны: многооктавные высокие тенора (Брюс Дикинсон, Ронни Дио, Клаус Майне), хриплые низкие голоса (Джеймс Хэтфилд, Лемми Килмистер и Джин Симмонс), «гроулинг» — низкий рык дэт-метал-вокалистов (Крис Барнс, Микаэль Окерфельдт), «скриминг» — кричащий вокал (Том Арайа, Куортон, Роб Хэлфорд), оперные сопрано (Тарья Турунен, Симона Симонс)[16], и даже не свойственный в целом металу фальцет (Кэм Пайпс из 3 Inches of Blood, King Diamond).
В большинстве метал-групп бас-гитара играет менее важную роль, чем электрогитара, так как в метале идёт сильный упор именно на гитарные риффы и соло. Но она позволяет обыгрывать партии гитары, играя в ритм с ударными. Также басисты могут играть и свои риффы, отличные от гитарных. В некоторых группах бас-гитара является ключевым инструментом — например, басисты групп Black Sabbath и Metallica играют соло-партии наравне с гитаристами, а фанк-метал-басист Лес Клейпул часто использует бас-гитару для игры соло-партий (которые обычно в метале играет гитарист). Бас-гитаристы в метале часто играют с помощью медиатора, что позволяет достичь большей скорости и агрессивности звука, но встречаются и примеры более сложной игры пальцами. В экстремальном метале (дэт-метал, блэк-метал) бас-гитара может быть тоже искажена эффектом дисторшна, чтобы добиться более «тяжёлого» или «грязного» звука. Другие используют пяти- и даже шестиструнные бас-гитары.
Ударная партия в метале играет большую роль. От ударников требуется большая скорость и координация, чтобы играть сложные и скоростные ритм-партии. Ударная установка для метал-группы обычно использует намного больше оборудования, чем стандартная. В неё обязательно входят басовый барабан (чаще два, или с карданом), а также расширенные комплекты тарелок и томов. В экстремальных стилях метал-музыки барабанщики часто устанавливают триггеры на свои барабаны. Сигнал, улавливаемый и передаваемый ими, заметно теряет в разнообразии динамики, зато создает ощущение четкой «стены звука» в особо скоростных партиях, когда ударнику становится трудно сохранять постоянную громкость и качество звукоизвлечения.
Немаловажную роль в некоторых стилях жанра играют клавишные инструменты.
Хеви-метал
Однозначной границы, где хард-рок перешёл в хэви-метал, критики не выделяют, и многие группы относят в оба жанра (т. н. «хард-н-хэви»). В первой половине 70-х в музыке английских хард-рок-групп, таких как Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin и Uriah Heep появились более скоростные и агрессивные композиции, основанные на гитарных риффах и использовании эффекта «дисторшн». Эти группы и получили одними из первых ярлык «металлических», хотя многие музыканты сами от него открещивались. Помимо англичан, аналогичную музыку исполняли Scorpions в Германии, Kiss в США.
Эта музыкальная тенденция получила развитие в движении «Новой волны британского хеви-метала» (NWoBHM), чьи представители — Iron Maiden, Saxon, Motörhead и примкнувшие к звучанию «новой волны» более ранние Judas Priest— создали узнаваемое звучание, в наши дни наиболее ассоциирующееся с понятием хэви-метал. Группы NWoBHM играли более скоростную музыку с длинными соло и пронзительным высоким вокалом. Они отметились более вызывающими текстами о войне и мистике, использовали в оформлении альбомов и концертов атрибутику фильмов ужасов и Средневековья. Они ввели сценический имидж, ставший стереотипным (см. метал и имидж). Сольные проекты Ронни Дио и Оззи Осборна двигались в том же направлении.
Стиль быстро распространился по Европейским и атлантическим странам в течение 80-х. Появилось большое количество неанглийских групп. В ФРГ это были Accept, Manowar в США, Ария в СССР.
Поджанр глэм-метал (или хэйр-метал, «метал волосатых») возник в США как продолжение глэм-рока с утяжелённым звучанием. Он отличался от хард-н-хэви не столько техническими показателями, сколько экстравагантной, вызывающей внешностью исполнителей и более миролюбивыми текстами песен — о любви. Его родоначальниками стали Kiss, Mötley Crüe, Twisted Sister
Трэш-метал
В начале 80-х на американской сцене появился ряд групп — Metallica, Anthrax, Slayer, Megadeth — исполнявших новую, более тяжёлую и ритмичную разновидность метала, которая получила название «трэш-ме́тал» (англ. thrash — «молотить») Этот жанр близок к спид-металу, с ощутимым влиянием панк-рока, имеет достаточно жёсткое, грубое, часто диссонансное звучание и исполняется на высокой скорости. Основой для трэш-метал стало стаккато барабанов и бас-гитары, что и послужило причиной названия. Независимо от американской сцены, в Германии благодаря группам Kreator, Sodom и Destruction развилась своя волна трэш-метал с некоторыми стилистическими отличиями.
Трэш-метал стал для своего времени прорывом в тяжёлой музыке и значительно повлиял на последующее её развитие, дав толчок появлению экстремальных жанров, таких как дэт-метал и блэк-метал[21]. В рамках трэш-метал возник экстремальный подвид «грув-метал», представляющий собой более медленный, ритмичный и тяжёлый трэш с более жёстким вокалом и влиянием хардкор-панка. Pantera, Machine Head и Sepultura добились в нём наибольшей известности
Спид-метал и пауэр-метал
Жанр спид-метала поначалу был неотделим от трэш-метала, и обозреватели почти не разделяли их. Спид-метал находится на стыке традиционного хэви, трэш-метал и более позднего пауэр-метал. Название speed (скорость) жанр получил от скоростной игры музыкантов. Вокал и ритм спид-метал близки к трэшу, однако композиции намного более мелодичны. Для спида характерны короткие фрагменты соло между каждым куплетом. К спид-металу относят ранние работы таких групп, как Running Wild, Blind Guardian, Helloween, Rage, Motörhead, Iced Earth. Особенно прижился этот жанр в Германии.
Blind Guardian выступают в антураже фэнтези
Из спид-метал в конце 80-х начала выделяться ветвь групп, исполняющих более мелодичную, жизнерадостную и доступную слушателю музыку с чистым высоким вокалом, построенную на квинтовых аккордах (англ. power chord). Жанр, получивший название пауэр-метал, отличается большой скоростью, мелодичностью, виртуозностью соло-гитар. Вокал в таких группах обычно чистый и высокий тенор, а в припеве часто вступает бэк-вокал. Этот стиль впервые появился на альбомах групп Helloween и Running Wild, и получил развитие в работах родственных Blind Guardian и Gamma Ray. К его развитию приложили руку финны Stratovarius, сделавшие звучание ещё более мелодичным.
В конце 90-х группы Nightwish, Rhapsody и Kamelot ввели в моду «симфонические» аранжировки песен с использованием клавишных и иногда — живых оркестров. Впоследствии симфонический пауэр-метал очень сблизился с появившимся в то же время симфоник-металом.
Пауэр-метал часто касается тематики фантастики и мифологии в текстах. Группы в этом жанре выпускают концептуальные альбомы (Sabaton, Carolus Rex) и даже серии альбомов со сквозными сюжетами («Сага об Алгалорде» Rhapsody), записывают совместные рок-оперы (Avantasia, Эльфийская рукопись). Средневековая эстетика пауэр-метал групп выглядит более светлой и оптимистичной, включая в себя образы рыцарей, драконов и бардов
Дэт-метал
Дэт-ме́тал (англ. death — «смерть») — один из наиболее «тяжёлых» видов метала, появившийся в США, в конце 1980-х, в творчестве групп Possessed, Death, Morbid Angel, Obituary, Cannibal Corpse и других. Дэт является развитием трэш-метала, но исполняется с ещё большей скоростью, зачастую с использованием экстремально скоростного бласт-бита. В отличие от трэш-метала вокалисты используют «рычащую» манеру пения, известную как «гроулинг». Тематика дэт-метала радикальна, преобладают тексты о смерти, убийстве, разрушении, насилии.
Почти с самого зарождения в жанре стали появляться инновационные релизы, как, например, Piece of Time (1989) группы Atheist, The Key (1990) группы Nocturnus и Human (1991) группы Death. В дальнейшем всё это выделилось в поджанр техничного дэта. Также, в конце 1980-х, образовался дэтграйнд (смесь дэт-метала с грайндкором), в основном, благодаря релизам британских групп Carcass, Napalm Death и Bolt Thrower.
В Европе, особенно в Скандинавии, в 90-е сформировалась сильная дэт-метал-сцена и поджанр мелодик-дэт-метал. От классического дэта он отличался большим разнообразием гитарных риффов, обилием и мелодичностью соло-партий, и иногда — использованием клавишных. Мелодичный дэт многое впитал от таких жанров, как спид-метал и пауэр-метал. Самые известные представители — At The Gates, Children of Bodom, Dark Tranquillity, In Flames, Arch Enemy. Поджанр по коммерческому успеху сравнялся с традиционными видами метала.
Блэк-метал и ответвления
Блэк-ме́тал (англ. black — «чёрный») возник в Скандинавии и Великобритании в середине 1980-х на ранних альбомах групп Venom и Bathory. Название жанру дал альбом Venom «Black Metal» (1982), который технически был ближе к трэш/спиду, Bathory же окончательно отточили новый стиль[22]. Особое распространение блэк-метал получил в 1990-е в Норвегии благодаря группам Mayhem, Darkthrone, Burzum, Immortal, Satyricon, которые составляют волну т. н. «традиционного норвежского блэк-метал». Этот стиль характеризуется искажённым, режущим слух «сырым» звучанием, почти непрерывным, в отличие от дэт-метала, использованием бласт-бита и тремоло на электрогитарах. Вокал используется «брутальный», скриминг (крик) или, реже, гроулинг (рык).
Блэк-метал — один из самых идеологизированных подстилей метала. Популярными темами в блэк-метале являются сатанизм, мизантропия, оккультизм, язычество, нигилизм[22][23]. Блэк-металлисты часто выступают в сценическом гриме (т. н. корпспэйнт — раскраска трупа) и/или сценических костюмах.
Поджанр Симфо-блэк-метал сформировался в середине 1990-х с появлением симфоник-метала и ростом популярности его «симфонических» аранжировок. Симфо-блэк-группы добавляли в свою музыку клавишные и симфонические инструменты, записывались с певицами с «оперным» вокалом. Родоначальниками стиля стали Dimmu Borgir, Emperor и Cradle of Filth. Многие из симфо-блэк коллективов отошли от радикальной тематики и начали использовать темы фантастики, литературы ужасов или народной мифологии, особенно нордической.
Примерно в то же время большое количество групп в северной и восточной Европе начали эксплуатировать тему язычества в текстах и имидже, и фолклорные аранжировки в музыке, иногда почти полностью переходя в фолк-метал, но сохраняя рычащий вокал. Стили получали название Викинг-метал или Паган-метал (языческий метал), в зависимости от тематики. Этот стиль зародился в поздних альбомах Bathory и Falkenbach,
Дум-ме́тал (англ. doom — «рок», «гибель») иногда рассматривается как противоположность скоростным видам экстремального метала, хотя имеет с ними немало пересечений. Это медленный, меланхоличный, но достаточно тяжёлый стиль, в котором может использоваться как чистый вокал, так и гроул. Дум-метал обычно печален, типичной темой является потерянная любовь, тщетность бытия. Кроме того, многие дум-метал группы обращаются к мифологии и народной культуре, теме древних цивилизаций и верований[22].
Композиции, подходящие под определение дум-метал, встречались ещё у Black Sabbath на их первых альбомах, а позднее у сравнительно малоизвестных групп Pentagram, Trouble, Witchfinder General и Saint Vitus. Окончательно жанр сформировался и обрёл популярность в 1980-е благодаря шведской группе Candlemass и получил название по её дебютному альбому «Epicus Doomicus Metallicus» (1986).
В 1990-е появилось несколько разновидностей дум-метал, наибольшую популярность из которых получил дэт-дум-метал — дум с влиянием дэт-метал, где обязательно используется гроул. Такие группы, как Anathema, Amorphis, Katatonia, My Dying Bride, Paradise Lost и Swallow the Sun исполняли дэт-дум-метал на ранних этапах своего творчества. В дальнейшем многие из этих групп перешли на более лёгкое и мелодичное звучание, основав таким образом новый жанр — готик-метал, получивший широкую известность в массах.
Прогрессив-метал
Из соединения прогрессивного рока и различных видов метала к концу 1980-х в творчестве групп Dream Theater, Queensrÿche развился прогрессивный метал. Его отличительные черты — сложная структура композиций, причудливые музыкальные размеры, неожиданные смены ритма, а также профессиональная техника игры на музыкальных инструментах. Для прогрессив-метала характерны довольно длинные песни и концептуальные альбомы. В 1990-е и 2000-е жанр получил развитие в творчестве Ayreon, Symphony X, Opeth. Как и пауэр, прогрессив-метал склонен к концептуализму в альбомах.
Дальнейшее развитие прогрессивной музыки породило такие экспериментальные разновидности прогрессива, как авангардный метал и пост-метал, в которых элемент метала является лишь одной из многих составляющих. Такие группы как Ulver и Arcturus, начинавшие как экстремальные метал-группы, впоследствии создали уникальные смеси метала с далекими от метал-музыки жанрами и инструментами.
Готик-метал
Готик-метал появился как ответвление в дум-метале в начале и середине 1990-х. Дум-метал группы Paradise Lost и My Dying Bride причастны к его появлению. Готик-метал представляет собой сочетание готик-рока и дет-дум-метала[22][27]. Брутальный вокал дум-метала часто сочетается с чистым классическим женским в дуэтах, прозванных «красавица и чудовище», сопровождаемых медленными, тяжелыми риффами[28]. Встречается также и чистый мужской вокал. В середине и конце 1990-х эту линию развивали группы Lacrimosa, Theatre of Tragedy, Tristania, Malice Mizer, Lacuna Coil и другие, в 2000-х жанр был максимально развит такими коллективами, как Moi dix Mois, Type O Negative и D. Эстетика готик-метала отошла от пост-панковой и приблизилась к более аристократической, в духе готических романов и викторианской эпохи.
Симфоник-метал
В середине 1990-х под влиянием готик-метала, дум-метала и прогрессив-метала сформировался жанр, объединяющий метал и классическую музыку. Симфо-метал группы используют академический («оперный») вокал[16], хор, симфонические музыкальные инструменты или их имитацию с помощью синтезатора. Нередко симфо-метал группы выступают с целыми оркестрами и множеством вокалистов с разными голосами. Основателем стиля считается группа Therion[29] из Швеции, которая впервые полностью совместила традиционный метал с оркестром и оперным вокалом.
Жанр получил особое распространение в Европе. Многие группы, игравшие пауэр-метал (Nightwish, Rhapsody), готик-метал (Within Temptation, After Forever, Epica), фолк-метал (Turisas) начали использовать в своей музыке симфонические и клавишные аранжировки. На стыке с блэк-металом возник симфоник-блэк-метал (Dimmu Borgir, Cradle of Filth, Graveworm). К концу 2000-х симфоник стал одним из самых распространённых жанров метала в Европе, особенно в Скандинавии (Leaves' Eyes) и Центральной Европе (Edenbridge, Delain, Xandria)
Фолк-метал
Фолк-метал — жанр, смешивающий фолк-музыку и метал. В этом жанре к традиционному гитарному составу группы обычно добавляются народные инструменты: флейты, скрипки, аккордеоны и волынки.
Впервые подобный эксперимент продемонстрировали Skyclad в начале 1990-х, смешавшие кельтскую музыку с трэш-металом[30][31]. Также к ранним представителям относят Amorphis, внедривших элементы народной музыки Финляндии в дэт-дум-метал[32][33].
В середине 1990-х в рамках жанра сложились локальные сцены. Немецкие фолк-метал группы смешивали индастриал-метал (Neue Deutsche Harte) с использованием средневековых музыкальных инструментов (Subway to Sally, In Extremo, Tanzwut). В Израиле возник «ориентал-метал», содержащий элементы арабской музыки (Orphaned Land, Melechesh). В Ирландии возник келтик-метал (Cruachan, Primordial). В начале 2000-х новая волна групп из Скандинавии создает свой фолк-метал, смешанный с викинг/пейган-металом. Известные группы, играющие на стыке этих жанров, появляются в Финляндии (Finntroll, Korpiklaani, Moonsorrow, Ensiferum), Швеции (Otyg, Vintersorg), Норвегии (Trollfest).
Ню-метал
Основной и самый популярный вид альтернативного метала, эти названия часто используются как взаимозаменяемые синонимы. Ню-метал (жаргонное Nu-metal — «новый метал») образовался в США в начале 90-х в результате смешения популярного в то время гранжа, хардкора, метала и впоследствии рэпкора. Тяжелое звучание ню-метал групп сочетается с использованием разного вида вокала, от чистого до скрима и рэпа, и аранжировками с использованием электронных инструментов. В состав некоторых ню-метал групп входит диджей и несколько вокалистов, владеющих разными стилями пения; либо от основного вокалиста требуются такие же разносторонние способности. Ню-метал отказался от упора на мастерство гитариста, характерного для традиционного метала, и гитарные партии в нем просты и ритмичны. Тексты ню-метала, в отличие, от традиционных видов метала, лишены темы фантастики и ужасов, и посвящены личным переживаниям либо проблемам общества.
Группы Korn и Deftones считаются прародителями поджанра, а развили его Limp Bizkit, Slipknot, P.O.D. и др. Среди известных групп более позднего периода — System of a Down, Papa Roach, Ill Nino. Linkin Park и представляют собой более легкую ветвь ню-метал, сросшуюся с альтернативным роком и рэпкором. Tool сочетают альтернативный метал с прогрессивным. Жанр имел большой коммерческий успех в Америке и за её пределами. Исполнители ню-метал — среди немногих «тяжелых» групп, чьи видеоклипы регулярно появляются в хит-парадах телеканала MTV.
Индастриал-метал
1990-е стали временем появления индастриал-метала — смеси метала и индастриала. Для него характерно использование риффов из хеви-метала, «индустриального» синтезатора и вокодера, сильно искажённого звука гитар и искажённого вокала[35]. Такое сочетание появилось впервые в творчестве групп Ministry и KMFDM, Die Krupps, а также Роба Зомби. Наиболее известными современными представителями являются Fear Factory, Nine Inch Nails, Pain, Rammstein, Oomph!, Marilyn Manson. Жанр особенно прижился в Германии, где выделяют сцену Neue Deutsche Härte. Исполнители индастриал-метала склонны к эпатажу, вызывающему имиджу, сценическим шоу и скандальным видеоклипам. Так, Rammstein часто заигрывают с экстремальной сексуальностью, Мэрилин Мэнсон поддерживает «сатанинский» имидж, являясь атеистом, Роб Зомби посвятил свое творчество тематике ужасов и смерти.
Металкор
Металкор появился в конце 1980-х в США как смесь элементов хардкор-панка с трэш-металом. В наши дни ранний металкор называют кроссовер-трэшем. К его представителям относят D.R.I., Corrosion of Conformity, Cro-Mags. Дальнейшее развитие металкора связано с внедрением элементов хардкора в другие жанры метала. К представителям его относят Killswitch Engage, Integrity, Converge, Hatebreed. Однако наибольшую популярность металкор приобрёл с появлением металкор групп конца 90-х, начала 2000-х, таких как Caliban, Bullet For My Valentine, Darkest Hour, As I Lay Dying, Underoath и других. В звучание современного металкора вплёлся шведский звук, характерный для мелодичного дэт-метала. К поджанрам металкора относят маткор и дэткор, соответственно с сильным влиянием мат-рока и дэт-метала
Поделиться12Сб, 15 Мар 2014 22:08:50
РЕГГИ
Дух регги:
Регги - стиль жизни
Возникновение и движение регги
Регги и Библия
Искусство в духе регги
Сущность музыки регги
Марихуана и регги ©
Музыкальный стиль регги возник в 60-х годах как один из новых музыкальных стилей ямайской поп-музыки. История его возникновения так же довольно проста и обычна для того времени. Слушая американские радиоволны музыканты Ямайки услышали несколько ритм-н-блюзовых композиций, исполняемых довольно известными певцами. Такой стиль музыки им очень понравился, и они решила так же привнести его в широкие массы. Но так как нот у них просто не было, они подбирали музыку исключительно слушая радио. Соответственно, то, что получалось, достаточно сильно отличалось от оригинальной композиции. Некоторые детали просто упускались из вида, а при написании музыки на их место вставляли такую привычную для них ямайскую поп-музыку. И, конечно же, ни один музыкант не упускал возможности добавить какую-либо свою особенность в композицию.
Если быть дотошным - корни регии это ритм-анд-блюз. Стиль музыки темнокожих авторов был очень близок и жителям Ямайки, среди которых было немало потомков темнокожиъ рабов, ввозимых на остров в семнадцатом веке. В результате смешения традиционной для Ямайки музыки и привнесенных мелодий получилось нечто очень интересное. Неспешное, гармоничное и расслабленное - это регги. Включив в себя идеи множества музыкальных течении, регги осталось верным своему духу - духу мира, гармонии. Идея музыки именно в этом. Духовное совершенствование, отсутствие негатива - вот, что спасет мир, именно за этим - будущее. Такова концепция течения, предполагающая так же равенство и братство. Как ни удивительно - регги пришелся по вкусу всему миру. Познакомил с этой музыкой - Боб Марли. Первый выходец из стран третьего мира, ставший мировой звездой.
Учитывая жизнерадостность и энергичность, но в то же врем неспешность характера ямайских жителей, ритмика музыки в значительной степени изменилась, и ей на смену пришла быстрота, экспрессивность или некоторая расслабленность, в том случае, если композиции полагается быть медленной. Легкие мелодии с довольно простым текстом стали все чаще звучать на дискотеках и в клубах, и появилось огромное количество почитателей подобной музыки. Ритмы регги начали свое движение по планете, идеи регги упали на благодатную почву - в то время были популярны пацифистические идеи. Раскркпощение, свобода, мир и равенство - это именно шестидесятые.
Немного истории
Музыка регги представляет собой одну из национальных форм популярной музыки. Исторические корни направления регги следует искать в народной музыке Латинской Америки, а если точнее, то на Ямайке. Также частично корни регги прослеживаются и в ритм-энд-блюзе. Подобный сплав разных направлений родился в шестидесятые годы прошлого века. Случилось это тогда, когда музыканты с Ямайки осуществили попытку воспроизвести новоорлеанский ритм-энд-блюз, слышанный ими по радио. Получилось у них это по-своему, со своим национальным колоритом.
Направление регги – это не просто музыка. Это также и мировоззрение, своеобразное, но всё же. Религией для исполнителей музыки регги было растафарианство. Это слово происходит от имени Эфиопского императора Рас Тафари Макконена, который, по предсказаниям, должен был дать свободу всем страждущим и помочь им вернуться в родную Африку, причём освобождённую.
Инструментом на пути личностного совершенствования для растаманов стала марихуана, которую на Ямайке почитали как траву, дарующую мудрость. Также растаманы имеют свои цвета, которые являются антеннами в духовный мир (по их понятиям). К таким цветам относятся сочетания жёлтого, зелёного и красные. Опознать растаманов можно по дрэдам (причёска из скрученных косичек).
Разнообразие музыки регги
Музыка регги по своей природе достаточно разнообразна.
Это могут быть медленные и ненавязчивые композиции, без всяческих украшений и особенностей. А могут быть особенные композиции, которые направлены на более широкую публику, и которые так же часто называют «эстрадным регги». Первая категория композиций несет в себе именно те вибрации, которые все музыканты, играющие регги, пытаются донести до слушателей. Такое воплощение регги очень простое, оно не нуждается в излишествах вроде определенных музыкальных инструментов или дополнительных наложенных функций для этих инструментов.
Именно такой тип регги можно чаще всего услышать на родине этого стиля, на Ямайских островах. Тем не менее, для того, чтобы полней и доступней донести музыку регги до широких масс, использовались многочисленные приемы для некоего ее перевоплощения, которое позволило бы очень многим полюбить именно такой вариант ее исполнения. Растаманы, то есть поклонники и подвижники движения регги, считают, что регги-музыка, которая относится в эстрадному варианту, подходит для начинающих растаманов. Та же музыка, которая считается истинной, то есть первоначальной и ничем не приукрашенной, более всего доступна тем, кто полностью отдал себя растаманскому движению.
Сущность регги
Музыка регги появилась на Ямайке в 60-е годы ХХ века. Она была смесью народной ямайской музыка, латиноамериканской музыки и ритм-энд-блюза (постоянно крутили по радио). К тому же не последнее место в становлении направления регги заняла ска-музыка. Сейчас музыка регги представляет собой целую религию и образ жизни большого количества людей. За короткое время музыка регги распространилась не только по всей Ямайке, но и по соседним странам. Далее эта музыка получила признание во всём мире. Случилось это во многом благодаря наиболее известному исполнителю в стиле регги Роберту Неста Марли.
Боб Марли стал первой звездой мировой величины, который был выходцем из страны третьего мира и добился огромной известности и популярности на всех континентах. В семидесятые годы музыка Боба Марли попала в европейские страны. Его песни начали занимать первые места в хит-парадах Германии и Англии. Подобная популярность музыки регги привлекла внимание продюсеров. Стали появляться попсовые регги-коллективы. Примером такого музыкального коллектива может служить UB40. Отдельные участники этого коллектива также как Боб Марли были выходцами с Ямайки.
Философия регги несёт в себе идею братства и равенства между людьми. Некоторые песни, например Боба Марли, носили незавуалированный политический подтекст, и такая направленность достаточно сильно отражалась на жизни населения в отдельных странах.
Поделиться13Сб, 15 Мар 2014 22:12:25
РОК
Как сообщаеться в википедии Рок-му́зыка (англ. Rock music) — обобщающее название многих направлений современной музыки, существующих с середины 1950-х годов. Слово «rock» — качать — в данном случае указывает на характерные для этих направлений ритмические ощущения, связанные с определённой формой движения, по аналогии с «roll», «twist», «swing», «shake» и т. п. Такие признаки рок-музыки, как использование электромузыкальных инструментов, творческая самодостаточность (для рок-музыкантов характерно исполнение композиций собственного сочинения) являются вторичными и часто вводят в заблуждение. По этой причине принадлежность некоторых стилей музыки к року оспаривается. Также рок является особым субкультурным явлением; такие субкультуры, как моды, хиппи, панки, готы, неразрывно связаны с определёнными жанрами рок-музыки.
Рок-музыка имеет большое количество направлений: от лёгкого танцевального рок-н-ролла до брутального агрессивного грайндкора. Содержание песен варьирует от лёгкого и непринуждённого до мрачного, глубокого и философского. Часто рок-музыка противопоставляется поп-музыке и т. н. «попсе», хотя чёткой границы между понятиями «рок» и «поп» не существует, и немало музыкальных явлений балансируют на грани между ними.
Истоки рок-музыки лежат в блюзе, из которого и вышли первые рок-жанры — рок-н-ролл и рокабилли. Первые поджанры рок-музыки возникали в тесной связи с народной и эстрадной музыкой того времени — в первую очередь это фолк, кантри, скиффл, мюзик-холл. За время своего существования были попытки соединить рок-музыку практически со всеми возможными видами музыки — с академической музыкой (арт-рок, появляется в конце 60-х), джазом (джаз-рок, появляется в конце 60-х — начале 70-х), латинской музыкой (латино-рок, появляется в конце 60-х), индийской музыкой (рага-рок, появляется в середине 60-х). В 60-70-х годах появились практически все крупнейшие поджанры рок-музыки, крупнейшими из которых, помимо перечисленных, являются метал (хард-рок), панк-рок, рок-авангард. В конце 70-х-начале 80-х появились такие жанры рок-музыки, как пост-панк, новая волна, альтернативный рок (хотя уже в конце 60-х годов появляются ранние представители этого направления), хардкор (крупный поджанр панк-рока), а также брутальные поджанры метала — трэш-метал, дэт-метал, блэк-метал, грайндкор. В 90-х годах получили широкое развитие жанры гранж (появился в середине 80-х), брит-поп (появляется в середине 60-х), альтернативный метал (появляется в конце 80-х).
Основные центры развития рок-музыки — США и западная Европа (особенно Великобритания). Большинство текстов песен — на английском языке. Однако, хотя, как правило, и с некоторым запозданием, национальная рок-музыка появилась практически во всех странах. Русскоязычная рок-музыка (т. н. русский рок) появилась в СССР уже в 1960—1970-х гг. и достигла пика развития в 1980-х гг., продолжив развиваться в 1990-х.
Музыкальная составляющая
Рок-музыка обычно исполняется рок-группой, состоящей из вокалиста, гитариста (как правило, играющего на электрогитаре), бас-гитариста и барабанщика, иногда клавишника. Бас-гитара, ударные и ритм-гитара (не во всех коллективах) составляют ритм-секцию. Однако существуют примеры использования в рок-композициях практически всех известных музыкальных инструментов.
Отличительная черта классической рок-музыки — неизменный ритм, поддерживаемый ритм-секцией. Однако уже начиная с 60-х годов ряд направлений рока использует композиции с усложёнными структурами и ритмами. Солирующим инструментом является обычно электрогитара. Также в большинстве рок-групп присутствует вокалист. Если в начале своего развития рок-музыка лежала в основном в рамках блюзовой гармонии, то теперь отдельные её направления имеют мало общего в музыкальном отношении
Идеологическая составляющая
Рок — это, с одной стороны, рупор молодёжи, музыкальное воплощение раздирающих её противоречивых настроений, конфликта с общепринятыми нормами. С другой стороны, рок — один из инструментов шоу-бизнеса, направленный на коммерческую прибыль в индустрии развлечений. Эта двойная природа и обуславливает противоречия, «пилообразность» развития жанра. По сути дела, вся история рока состоит из схожих циклов, в начале каждого из которых — бунт, протест, рождение новых стилей и новых ценностей, возникновение групп и исполнителей-основоположников стиля (1955, 1967, 1977, …), а затем — постепенный процесс «приручения», коммерциализации, порой — упрощения, возникновения вторичных рок-групп.
Рок-музыка как культурный феномен породила так называемый «рок-н-ролльный образ жизни», определённый стиль поведения и систему жизненных ценностей, своего рода философию. Тем не менее, возникшие на основе различных течений рок-музыки субкультуры порой имеют мало схожего. Рок-музыка обладает относительно большой захватывающей энергией (драйвом). Она может дать личности свободу от устоявшихся общественных принципов и стереотипов, от окружающей действительности.
С другой стороны, человек, увлечённый рок-культурой, может окончательно оградиться от внешнего мира, усугубляя положение приёмом алкоголя и наркотиков, что способствует разрушению личности. Нередко это явление ставят в вину рок-музыкантам.
Первые шаги рок-музыки
Началом рок-музыки является появление жанра рок-н-ролла, вобравшего в себя черты блюза, ритм-энд-блюза, буги-вуги, джаза и кантри.
Значительное влияние на рок-н-ролл оказали блюзовые исполнители Роберт Джонсон, Лидбелли, Мадди Уотерс. Название «рок-н-ролл» происходит из песен госпел-исполнителей 40-х годов и, являясь по сути призывом к танцу, представляет собой сексуальный эвфемизм. Впервые выражение появилось в песне «Good Rocking Tonight» Роя Брауна 1947 году. В 1949 году выходит песня «Rock And Roll» Уайлд Билла Мура.
Развитие раннего рок-н-ролла связано в основном с американскими исполнителями, однако установить, какая песня или пластинка может считаться первой в жанре, практически невозможно. Среди возможных вариантов — сингл «Fat Man» Фэтса Домино, вышедший в 1950-м году. Согласно другим версиям, первой рок-н-ролльной записью является «Rocket 88», записанная в 1951 году Jackie Brenston and his Delta Cats.
Рок-н-ролл в конце 50-х
Чак Берри в 1950-е годыСреди тех, кто заложил основы рок-н-ролла как полноценного жанра, важнейшими исполнителями являются Фэтс Домино, Бо Диддли и Чак Берри. Чак Берри начал всерьёз заниматься музыкой в 1953 году, а в 1955 уже записал первый сингл. Чак Берри положил начало рок-стилю в текстах песен, имидже, игре на гитаре.
Среди других влиятельных афроамериканских музыкантов в жанре рок-н-ролла следует выделить Литтл Ричарда, который повлиял на последующее формирование гаражного рока и протопанка, поскольку его манера пения и игры на пианино была значительно более агрессивной и напористой, чем у конкурентов.
Поначалу рок-н-ролл считался специфической музыкой, характерной только для афроамериканской аудитории. Однако уже появлялись первые белые артисты, исполнявшие рок-н-роллы. Прорывом рок-н-ролла в мейнстрим стала песня Билла Хейли «Rock Around The Clock». Однако титул «короля рок-н-ролла» завоевал другой белый артист — Элвис Пресли. Несмотря на то, что его популярность и культовый статус во многом превышали реальное качество его работ по сравнению с пластинками чёрных коллег, Элвис Пресли стал первым, кто записал рок-н-ролл на одном с ними уровне (когда диджеи ставили его первые записи в эфир, они специально предупреждали, что это поёт белый артист).
Другим знаменитым белым исполнителем рок-н-ролла стал Джерри Ли Льюис, получивший прозвище «Killer» за неистовую манеру исполнения и игры на пианино. Чуть позже стала появляться более мягкая форма «белого» рок-н-ролла, связанная прежде всего с именами Бадди Холли и Everly Brothers.
Рокабилли
На основе синтеза рок-н-ролла и кантри (особенно его южного поджанра — хиллбилли) появился особый поджанр рок-музыки — рокабилли. Наиболее известные его представители в 50-х — Эдди Кокрэн, Джин Винсент и Карл Перкинс. Среди первых образцов рокабилли выделяются некоторые ранние записи знаменитого кантри-певца Джонни Кэша. Немалое влияние на жанр оказали первые синглы Чака Берри («Maybellene») и Элвиса Пресли («That's All Right (Mama)»). Музыка рокабилли вновь стала популярной в 80-х годах. Среди представителей нео-рокабилли — Stray Cats, The Cramps, Heavy Trash.
Рок-н-ролл в Англии
Хотя вплоть до появления бит-музыки Англия в области рок-музыки не могла составить Америке никакой конкуренции, первые рок-записи стали появляться здесь уже в 50-х годах. Если в Америке рок-н-ролл развивался в тесном соприкосновении с корневыми жанрами блюза и кантри, то на английский рок-н-ролл оказал наибольшее влияние скиффл, в частности, один из известнейших исполнителей скиффла Лонни Донеган.
Первыми исполнителями рок-н-ролла, которые смогли соперничать в английских чартах с американскими исполнителями, стали Клифф Ричард и The Shadows. Первый английский рок-н-ролльный хит — «Move It» Клиффа Ричарда. Среди появившихся в то время скиффл-групп была и первая группа одного из основателей The Beatles Джона Леннона The Quarrymen
Рок-музыка 60-х годов
На границе десятилетий: сёрф
The Surfaris в 1962 годуВ 1957-м году была записана композиция «Rumble» гитариста Линка Рея, в которой впервые был использован эффект фузза (англ. fuzz) на гитаре; таким образом, от этой песни в какой-то мере происходят все «тяжёлые» жанры рок-музыки, в частности, хэви-метал и панк-рок. Линк Рей вместе с Диком Дейлом и The Surfaris положил начало новому жанру инструментального танцевального рок-н-ролла — сёрфу, основанному на гавайском звучании гитары, обычно с эффектом вибрато (англ. vibrato). Первой сёрф-записью считается «Bulldog» The Fireballs, а ключевыми представителями — The Ventures, The Chantays, в Англии — The Shadows.
Чуть позже инструментальный сёрф уступил место вокальному сёрф-попу, известнейшие представители которого — Jan and Dean и The Beach Boys. Влияние звука сёрфа породило сёрф-рок, совмещавший традиционную рок-музыку и сёрф-звучание; сёрф-рок песни встречаются у множества исполнителей.
Первая половина 1960-х
На основе ритм-энд-блюза, рок-н-ролла и соула не без влияния народной британской музыки в Англии стали появляться группы, игравшие новую форму танцевальной музыки — бит-музыку. Среди поджанров бита выделялся мерсибит, типичными примерами которого являются записи Gerry & The Pacemakers, The Searchers, Rory Storm and the Hurricanes и ранние записи The Beatles. Именно The Beatles со своим синглом «I Want To Hold Your Hand» смогли впервые потеснить в американских чартах американских же исполнителей, положив начало так называемому «британскому вторжению» (англ. British Invasion). Параллельно с этой формой музыки в Америке развивались местные стили на основе фолка и кантри — важнейшим из них стал фолк-рок.
Британское вторжение
Термином «британское вторжение» принято называть проникновение популярной британской музыкальной культуры на территорию США. The Beatles, с успеха синглов которых и начался новый этап рок-истории, закрепили успех «высадкой» на американский берег в феврале 1964 года. The Beatles уже в ранние годы представляли собой принципиально новое явление в мировой музыке, и в рок-музыке в частности — в них соединялись необычайная музыкальная плодотворность и принципиально новый имидж (не просто автор-исполнитель с группой, а четверо ярких личностей, группа, где каждый поёт и каждый способен сочинить хит). Охватившая практически весь мир популярность The Beatles (её началом можно примерно считать выступление на шоу Эда Салливана в 1964 году) положила начало небывалому для того времени явлению — «битломании». Вслед за The Beatles обрел популярность и ряд других британских групп. Музыкальная жизнь Британии стала развиваться, открывались новые музыкальные клубы, а бит-музыка становилась всё более разнообразной.
Поделиться14Сб, 15 Мар 2014 22:14:09
СКА
СКА – музыкальное направление, появившееся на острове Ямайка в конце 1950-х годов. Соединив менто, ритм энд блюз, джаза и буги вуги, ямайские музыканты получили новое направление - прото-ска (ска-буги) . В дальнейшем, благодаря усилиям Кокссона Додда, Принса Бастера, Дюка Рейда и некоторых других ямайских музыкантов, рождается музыкальный стиль СКА.
Отличием музыки СКА от других направлений является раскачивающийся ритм 2/4. Среди инструментов используется гитара, барабаны, контрабас или бас-гитара, труба, тромбон и саксофон. Гитара играет на чётные удары барабанов, бас гитара или контрабас подчёркиваю нечётные удары барабанов, мелодия исполняется духовыми инструментами.
По мере распространения, СКА трансформировалось в целую субкультуру, со своими взглядами на мир.
Стили музыки СКА
Помимо классического ска существует ещё два наиболее популярных стиля, это ска-панк, и ска-джаз. Ска-панк – музыкальный стиль, вобравший в себя элементы панк-рока и ска. Для стиля характерно добавление к традиционной панк музыке духовых инструментов или эксцентричных ударных из классического ска.
Родиной ска-панка является США. Там в конце 80-х появился этот стиль. Одной из первых групп, игравших в этом стиле является Operation Ivy. Начиная с 1990 года, ска-панк становится более популярным, появляются новые группы, среди которых наиболее известной группой является Five Iron Frenzy.
Изначально представители данного направления исполняли в основном политизированные тексты, высказывая тем самым протест обществу. Но в последствии данное явление пошло на спад и многие группы стали исполнять тексты с различной тематикой. Ска-джаз – музыкальный стиль, появившийся на стыке джазовой музыки и классического ска. Основным отличием ска-джазовых групп от джазовых является количество музыкантов. В ска-джазе задействовано меньше музыкантов.
Музыка в стиле ска-джаз обычно исполняется без вокала. Большой редкостью является исполнение ска-джаза с участием вокалиста.
История возникновения СКА
Возникновение и развитие музыкального стиля СКА подразделяют на 3 «волны» . Каждая такая «волна» относится к разному времени, а значит и проблемы которые интересовали людей разные, что безусловно отразилось и в музыке.
Первая волна
Музыкальный стиль СКА зародился в 50-х годах прошлого века на Ямайке.
Когда то Ямайка была колонией Испании, в результате чего коренное население острова, индейцы были уничтожены. Оставшись без рабочей силы, белое население страны стали привозить рабов из Африки.
С тех давних пор население Ямайки изменилось, теперь в основном это мулаты, и чернокожее население, они составляют около 80-и процентов всего населения. Вместе с этим изменилась и культурное наследие. Чернокожее население острова Ямайки было отделено от других континентов, чем и вызвано появление своих самобытных традиций и культов (например здесь был сохранен культ вуду, который не сохранился в Африке) .
Далее> История музыки СКА - Первая волна
Вторая волна
В конце 70-х начале 80-х годов стиль ска снова набирает свою популярность, только уже в Англии. Это связано с тем что в эти годы большое количество эмигрантов из Ямайки переезжает в Англию. Но в Великобритании ска получает второе дыхание, и вместе с этим немного новое, доселе неизвестное звучание. Композиции в стиле ска крутят по радио, они входят во все хит-парады. В Англии ска стал популярным благодаря такому замечательному исполнителю как Дезмонд Деккер.
Далее> История музыки СКА - Вторая волна
Третья волна
В 1980-х 1990-х годах ска стиль продолжает свое существование, но вместе с обычным привычным звучанием появляются такие ответвления музыкального стиля как ска-панк, ска-кор, ска-джаз. Наиболее популярными группами этого времени являются Sublime, Let’s Go Bowling.
Далее> История музыки СКА - Третья волна
The Skatalites
В 50-х годах, зарождающаяся в Ямайке записывающая индустрия явила свету то, что в последствии стало называться “ска”.
Поделиться15Сб, 15 Мар 2014 22:15:57
История стиля TECHNO
стиль электронной музыки, который зародился в середине 1980-х годов в Детройте (США) и его окрестностях, а затем был "подхвачен" и распространен европейскими продюсерами. Стиль этот характеризуется искусственностью звучания, акцентированный на механических ритмах, многократных повторениях структурных элементов музыкального произведения и является одним из основных музыкальных жанров, которые исполняются на рейвах.
«Техно — это музыка, звучащая, как технология», — говорит Хуан Аткинс (англ. Juan Atkins), один из основателей стиля.
История возникновения:
Считается, что техно был изобретен так называемой «Белвиллской троицей»:
«инициатор» Хуан Аткинс (англ. Juan Atkins, Originator),
«новатор» Деррик Мэй (англ. Derrick May, Innovator)
и «двигатель» Кевин Сандерсон (англ. Kevin Saunderson, Elevator).
В середине 1980-х годов трое этих чёрнокожих друзей по колледжу из средне-классового пригорода Детройта Белвилл, как они сами говорят, пытались сделать немецкую электронику в духе Tangerine Dream и Kraftwerk более танцевальной, пригодной для диджеев и клубного драйва.
Фактически же можно говорить о том, что техно возникло при слиянии таких жанров как синти-поп, электро и хаус.
Несмотря на то, что первым техно-треком принято считать No UFO’s от Model 500 (один из псевдонимов Хуана Аткинса), выпущенный ещё в 1985 году, сам жанр долгое время не имел какого-то определённого названия. Раньше эту музыку называли и просто хаусом, и новым диско, и даже хип-хопом. Имя техно жанр получил в 1988 году благодаря предназначенной для Великобритании компиляции из детройтской танцевальной музыки под названием «Techno! The New Dance Sound Of Detroit» и ряду статей в журналах The Face и NME, где эта компиляция рекламировалась. Интересен факт, что изначально данную компиляцию предполагалось назвать именно «The House Sound Of Detroit». Но та музыка, которая подходила под название хаус производилась в Чикаго, и звучала по-другому (см. Чикаго-хаус). Тогда было принято решение задействовать слово техно, которое уже в принципе использовалось некоторыми музыкантами, но прежде ассоциировалось больше с хип-хопом. Успех этой компиляции сыграл свою роль — «новоявленный» жанр под названием техно получил признание.
Мировое признание
Если в США техно-музыка была только, по сути, андеграундным явлением, то в Великобритании она вырвалась на основную музыкальную арену страны конца 1980-х.
Подстили техно:
Детройт-техно (англ. Detroit techno)
Минимал-техно (англ. Minimal techno)
Эйсид-техно (англ. Acid techno)
Даб-техно (англ. Dub techno)
Хард-техно (англ. Hard techno)
Италиан-техно (англ. Italian techno)
Шранц (нем. Schranz)
Смежные стили:
Электро (англ. Electro)
Тек-хаус (англ. Tech house)
Микрохаус (англ. Microhouse)
Глитч (англ. Glitch)